ZZ TOP: ESA PEQUEÑA VIEJA BANDA DE TEXAS

 

"That lil' ol' band from Texas"...o al menos así se autodefinían. ZZ Top parecería ser de esas bandas que resisten el paso del tiempo, o al menos parte de su catálogo. Su sello inconfundible: lentes de sol y barbas extremadamente largas.

Billy Gibbons, Dusty Hill y Frank Beard nunca intentaron parecer sofisticados. Nunca buscaron reinventar el rock. Tampoco pretendieron convertirse en los músicos más virtuosos del planeta. Su objetivo siempre fue mucho más simple: hacer que una guitarra sonara como un motor V8, que un bajo retumbara como una locomotora y que cada canción invitara a mover la cabeza. Y ni que hablar que lo lograron. 

Mezclando blues y rock, estos oriundos de Houston dieron sus primeros pasos en 1969. Desde sus primeros discos, el trío encontró una fórmula que parecía sencilla pero era casi imposible de copiar: riffs gruesos, blues eléctrico, humor sureño y una actitud relajada que hacía parecer que todo salía sin esfuerzo. Mientras otros grupos competían por tocar más rápido o más fuerte, ZZ Top demostraba que tres notas bien elegidas podían decir mucho más que un solo interminable. Cuando apareció "Tres Hombres" en 1973, el mundo entendió que aquello iba en serio. "La Grange" se convirtió en uno de esos riffs inmortales que cualquier guitarrista aprende tarde o temprano. Es simple. Es pegadizo. Es imposible de olvidar.

Pero el verdadero mérito de la banda fue no quedarse atrapada en los años setenta. Cuando llegó la década del exceso, los sintetizadores y MTV, muchos grupos clásicos desaparecieron intentando resistirse al cambio. ZZ Top hizo exactamente lo contrario: abrazó la modernidad sin abandonar su identidad. "Eliminator" en el '83 y "Afterburner" del '85 fueron su salto a la fama. 

"Gimme All Your Lovin'", "Sharp Dressed Man", "Got me Under Pressure" y "Legs" del primero, y "Sleeping Bag", "Planet of Women" y "Velcro Fly" mezclaban blues, hard rock y producción ochentera con una naturalidad sorprendente. Los videoclips eran pura cultura pop: autos rojos imposibles, chicas espectaculares, humor, lentes oscuros y esas dos barbas que terminarían convirtiéndose en uno de los símbolos más reconocibles de la historia del rock. MTV hizo el resto y los transformó en estrellas mundiales.

Lo curioso es que, debajo de toda esa estética, seguían siendo exactamente los mismos tres músicos que habían comenzado tocando en bares de Texas. Billy Gibbons nunca necesitó tocar cien notas por segundo para demostrar que era un guitarrista extraordinario. Cada frase tiene intención, cada bend parece salido directamente del Delta del Mississippi y cada riff transmite una mezcla perfecta entre blues y hard rock. Dusty Hill fue el compañero ideal durante más de cincuenta años. Su bajo siempre estuvo donde debía estar: sosteniendo las canciones sin buscar protagonismo. Su fallecimiento en 2021 cerró una de las formaciones más longevas y estables de toda la historia del rock. Y después está Frank Beard. Silencioso, marcando el ritmo, y el que más lejos de las luces siempre estuvo...casi como si no fuera parte del combo. Y el único sin barba. Una ironía maravillosa que resume perfectamente el sentido del humor de ZZ Top.

Lo más admirable del grupo es que nunca necesitó escándalos, peleas públicas ni cambios constantes para mantenerse vigente. Mientras muchas bandas vivían del drama, ellos simplemente seguían grabando discos, girando y haciendo exactamente lo que mejor sabían hacer.

Puede que hoy ya no aparezcan en las radios comerciales con la frecuencia de los años ochenta. Puede que muchos jóvenes solo conozcan un par de canciones. Pero basta escuchar los primeros segundos de "La Grange", "Sharp Dressed Man", "Tush" o "Gimme All Your Lovin'" para entender por qué siguen siendo referencia obligada cuando se habla de riffs memorables.

Y les voy a contar algo. De todo la discografía de ZZ Top, no son sus canciones más populares las que a mí, en lo personal, más me gustan (y por eso tal vez, algunos de los clásicos más reconocidos - y reconocibles - no hagan parte del top 5...de MI Top 5, aunque sí tal vez del tuyo). A mí me gusta más su faceta de "La Futura" o el "Raw" cuando suenan crudos y, como en último disco mencionado, se grabaron las canciones en una sola toma. Sí. El rock con sintetizadores fue mi puerta de entrada, como la de muchos. Te desafío a que indagues a fondo en el catálogo de esta gran banda, a la que, por suerte, pude ver (o al menos al bueno de Billy F.Gibbons). 

ZZ Top nunca fue la banda más innovadora. Nunca fue la más compleja ni la más técnica. Eso sí...lograron lo que pocas. Mantenerse y ser reconocidos...tal vez ni siquiera por sus nombres, pero sí por sus riffs y unos looks inconfundibles. 

PAIS: U.S.A.

ESTILO: hard rock / blues rock / boogie rock / rock sureño

SIMILAR A: George Thorogood & the Destroyers, Lynyrd Skynyrd, Foghat

AÑOS ACTIVOS: 1969 - presente

FORMACIÓN ACTUAL: Billy Gibbons (Guitarra, voz), Elwood Francis (bajo), Frank Beard (batería)

TOP 5 TRACKS:

1) La Grange

2) She's just Killing me

3) I Gotsta Get Paid

4) Tube Snake Boogie

5) Gimme all your Lovin'

DISCOGRAFÍA:

1971 - ZZ Top's First Studio Album

1972 - Rio Grande Mud

1973 - Tres Hombres

1975 - Fandango!

1977 - Tejas

1979 - Degüello

1981 - El Loco

1983 - Eiminator

1985 - Afterburner

1990 - Recycler

1994 - Antenna

1996 - Rhytemeen

1999 - XXX

2003 - Mescalero

2012 - La Futura

2022 - Raw

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BADLANDS: TALENTO DE SOBRA, Y UN TRISTE FINAL

"Badlands" es de esas bandas de las que no encontrás casi nada en Spotify (sí...ya sabés que por un temita de la zona donde te encuentres o de que la plataforma sueca no tiene los derechos, no todo el material de tu banda favorita podría estar disponible allí). Por otro lado, es de esas bandas de las que sí podés encontrar discos en Youtube. De hecho, sus dos primeros discos - los mejores sin dudas - están en la plataforma de videos. Además, fue de esas bandas que sonaban en los '80 a un Zeppelin aggiornado, con un toque más hard rock sureño, y que por fortuna, contó en su momento con una rotación bastante decente por la cadena del astronauta.

Oriundos de Los Ángeles, en plena era dorada del hard rock, Badlands juntaba nombres pesados: Jake E. Lee, recién salido de la banda de Ozzy Osbourne, el baterista Eric Singer (que después pasaría por Kiss), el bajista Greg Chaisson, y una voz que no era de este planeta: Ray Gillen.

Desde el arranque, su debut Badlands (1989) deja en claro que esto no es solo otro producto del hair metal. Hay blues, hay groove, hay oscuridad. Canciones como “Dreams in the Dark” o “High Wire” tienen esa mezcla perfecta entre potencia y sentimiento que hoy se extraña. Jake E. Lee, lejos del molde más metalero de su etapa con Ozzy, se suelta con un sonido más orgánico, más sucio, más… real.

Pero si hay algo que define a Badlands, es la voz de Ray Gillen. No es solo técnica: es intensidad, es drama, es esa sensación de que en cualquier momento todo puede explotar. Y en cierto modo, eso fue exactamente lo que pasó.

El segundo disco, Voodoo Highway (1991), profundiza ese camino. Más blues, más raíces, menos concesiones comerciales. Es un disco que quizás no entra tan fácil como el primero, pero que gana con cada escucha. Tiene ese aire a banda tocando junta, sin filtros, sin maquillaje.

Y después… silencio.

El tercer álbum, Dusk, grabado pero editado años más tarde, suena casi como un documento de lo que pudo haber sido. Para ese entonces, la banda ya estaba rota. Las tensiones internas, los cambios en la industria (con la llegada del grunge) y, sobre todo, la trágica muerte de Ray Gillen en 1993 terminaron de sellar el destino de Badlands.

Hoy, escucharlos es encontrarse con una banda fuera de época incluso para su propia época. No eran lo suficientemente glam para el mainstream, ni lo suficientemente alternativos para lo que vendría después. Y sin embargo, tenían algo que muchas bandas exitosas no: identidad.

Badlands no fue masiva, pero dejó huella. Y para los que la descubren hoy, hay una sensación inevitable: esta banda merecía mucho más.

PAÍS: U.S.A.

ESTILO: hard rock / blues

SIMILAR A: Blue Murder / Led Zeppelin / Whitesnake / Lynch Mob

AÑOS ACTIVOS: 1988 - 1992

ÚLTIMA FORMACIÓN: Ray Gillen (voz), Jake E. Lee (guitarra), Greg Chaisson (bajo), Eric Martin (batería)

TOP 5 TRACKS:

1) The Last Time

2) Dreams in the Dark

3) Winter's Call

4) Show me the Way

5) High Wire

DISCOGRAFÍA:

1989 - Badlands

1991 - Voodoo Highway

1998 - Dusk 

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MASTERPLAN: LA REVANCHA SILENCIOSA DEL POWER METAL ALEMÁN

 

Alemania siempre fue tierra fértil para el heavy metal, pero dentro de ese mapa repleto de nombres históricos, Masterplan ocupa un lugar especial: el de la banda que nació de una ruptura, pero que terminó construyendo identidad propia a base de melodía, potencia y elegancia.

Formada en 2001 por Roland Grapow (ex Helloween) tras su salida de la banda madre del power metal, Masterplan apareció como una declaración de principios: esto no iba a ser una copia, sino una evolución. A su lado, el batería Uli Kusch (también ex Helloween) completó un núcleo creativo que sabía exactamente qué quería hacer… y cómo hacerlo bien. La salida de Helloween no fue fácil. Según aclara la banda fue en buenos términos. Grapow y Kusch no lo vieron así. Luego del álbum "The Dark Ride", Grapow sostuvo que la dirección musical de los "pumpkins" se estaba tornando muy oscura; por su parte Kusch sostenía que las decisiones eran "poco democráticas". Para unos no hubo resentimientos luego de la ruptura; para otros, sí, y esto es claro en varias letras, como en "Wounds" ("I have walked this road before / So hard to find unopened doors / Lost my way, but I have to stay for a while / I'll be searching for more / And my wounds are real / I must rise from the sorrow / And find my way out of the dark / I've cried my tears from pain / There's a new day tomorrow"). Hay un dejo de pesar, un poco de resentimiento, y una referencia ineludible al disco "The Dark Ride".

El álbum “Masterplan” (2003) es de esos discos que no piden permiso. Canciones como “Spirit Never Die”, “Enlighten Me” o “Kind Hearted Light” mostraron una banda sólida desde el minuto uno, con un sonido poderoso pero accesible, donde el virtuosismo nunca se come a la canción. La voz de Jørn Lande, uno de los mejores cantantes del metal moderno, fue clave para darle carácter al proyecto. Grave, rasposa, emocional: un frontman con presencia real, no solo técnica.

A diferencia de otras bandas del género, Masterplan nunca apostó solo a la velocidad. Su fuerte está en el equilibrio: riffs pesados, estribillos memorables, teclados bien ubicados y solos que suman en lugar de competir. Discos como “Aeronautics” (2005) y “MK II” (2007) consolidaron ese estilo, demostrando que la banda podía mutar sin perder identidad. Incluso con los cambios de formación —algo casi inevitable en este tipo de proyectos—, Masterplan siempre mantuvo un estándar alto. Hay oficio, hay experiencia, y sobre todo hay respeto por la canción.

Tal vez Masterplan nunca jugó en la liga del mainstream metal, pero sí se ganó un lugar firme entre los fanáticos del heavy europeo. Su música envejece bien, no depende de modas, y sigue siendo ideal tanto para el oyente veterano como para el que quiere descubrir el power metal sin caer en clichés. Evidencia de esto, sea tal vez su último toque en Uruguay, donde, sin temor a equivocarme, éramos menos de 100 personas las presentes en Live Era. Y los tipos tocaron como siempre, disfrutaron de ese show íntimo sin dejar ninguna canción de su set de lado. 

Masterplan es prueba de que, cuando el talento se junta con una idea clara, el resultado trasciende las circunstancias. No fue un “ex-Helloween project”: fue, y sigue siendo, una banda con identidad propia (aunque tengan un disco como el "PumpKings" con todos temas de Helloween. Je!

PAÍS: Alemania

ESTILO: power metal

SIMILAR A: Helloween / Gamma Ray / Stratovarius

AÑOS ACTIVOS: 2001 - presente

INTEGRACIÓN ACTUAL: Roland Grapow (guitarra), Axel Mackenrott (teclados), Rick Altzi (voz), Jari Kainulainen (bajo), Kevin Kott (batería) 

TOP 5 TRACKS:

1) Kind Hearted Light

2) Enlighten me

3) Back for my Life

4) Soulburn

5) Spirit Never Dies

DISCOGRAFÍA (de estudio):

2003 - Masterplan

2005 - Aeronautics

2007 - MK II

2010 - Time to be King

2013 - Novum Initium

2017 - PumpKings

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METAMORFOSIS: DOS DISCOS Y UN SUEÑO QUE TERMINÓ

 

Pucha! Amaba esta banda! Supe tener un disco de vinilo, su primera producción, comprado casi de casualidad en el viejo "Palacio de la Música". Sonaban un par de temas de la banda, sobre todo en la ya extinta "El Dorado FM 100.3", radio a la que un día, tal vez, le dedique un post en exclusivo.

Y si "morir joven, vivir rápido" es de rockeros..bueh...la vida de Metamorfosis fue  así: fugaz. Cual meteorito, brillante, breve y dejando más preguntas que respuestas. Sacaron dos discos, “Rock’n’Roll” y “El Sueño Terminó”, y después… nada. Desaparición sin gira despedida, sin compilado tributo, sin posteo en redes (porque ni había). Sólo el eco de dos álbumes que todavía respiran. Y que no han envejecido en absoluto. 

Inicialmente banda de covers, tienen su primer concierto "oficial" en el teatro La Candela en el '85; de ahí a un primer "single" con el tema "Estoy Sintiendo el Fuego", participaciones en ensaladas, y rodaje por un par de radios (no muchas más). Para 1989, los hermanos Figueredo (Álvaro, Santiago, y Nicolás), Daniel Paglia, y Miguel Sarli sacan "Rock'n'Roll", un disco que arrancaba con un temón como "No las Puedo Entender", y no podían sonar más a los Stones - bueno, a pesar y no tan a pesar suyo, eran considerados "los Rolling de Uruguay" - , aunque también tenían influencias de John Mellencamp, y hasta del propio Springsteen. En una época donde era difícil hacerse un lugar con este estilo de rock en este rincón del planeta, Metamorfosis pudo hacerse un huequito entre el punk, el rock industrial, y el rock "alternativo" que sonaba un poco más por aquellos años. Temas como "Estás Mal", "Esto es Rock'n'Roll" y "En América" tendrían luego una considerable rotación radial.

Para 1992 editan su segundo y último álbum, "El Sueño Terminó", y quizás el título ya era vaticinio de lo que ocurriría luego. Con sonido más pulido, pero sin perder el estilo, en esta producción destacarían canciones como "Escapándole al Tiempo", "Vos y Yo", y el tema que diera nombre al disco. De sus integrantes, poco sé. Leí que el "Tío" Figueredo estuvo por el norte del continente dedicándose a otro estilo de música, y que es productor (y hasta docente, si no me equivoco). Sarli luego formó el "Proyecto Verdi" con Álvaro Figueredo. Lemole por su parte siguió también vinculado a la música. Y poco más.

Sus discos no están en Spotify, pero se pasan de pen drive en pen drive, o tal vez tengas la suerte de verlo en alguna feria (y si es así, avisen!). Aparecen de vez en cuando en foros de viejos rockeros, o en conversaciones a la salida de algún toque cuando alguien dice: “¿Te acordás de Metamorfosis?”.

Y sí, muchos nos acordamos. 

PAÍS: Uruguay

ESTILO: rock'n'roll

SIMILAR A: The Rolling Stones

AÑOS ACTIVOS: 1983 - 1994

ÚLTIMA INTEGRACIÓN: Álvaro Figueredo (voz y armónica), Miguel Sarli (Guitarra), Andrés Méndez (guitarra), Agustín Lemole (bajo), Santiago Figueredo (batería, percusión)

TOP 5 TRACKS:

1) Sin Poderte Ver

2) El Sueño Terminó

3) Estás Mal

4) Esto es Rock'n'Roll

5) Venime a Ver

DISCOGRAFÍA:

1989 - Rock'N'Roll

1992 - El Sueño Terminó

ESCUCHAR EL SUEÑO TERMINÓ

ESCUCHAR ROCK'N'ROLL

W.A.S.P.: SANGRE, CUERO, Y SIERRAS

No llegué a sus primeros discos en su debido momento, ya que cuando irrumpieron en escena yo era solo un gurí de 9 o 10 años, y los descubrí unos años más tarde, sonando por una FM llamada "El Dorado", que algún programa que otro, le daba bastante cabida a algunos de sus temas. El que recuerdo haber escuchado primero y que me voló la cabeza fue "The Headless Children", y por supuesto, pasó a ser uno que había que "eternizar" en algún compilado cassetero. Y luego vinieron las tapas de los álbumes. Uh...eso sí que para aquel momento era transgresor. Y, por supuesto, más adelante la adquisición de los tan deseados W.A.S.P., álbum debut, y uno que fuera de mis favoritos, "The Last Command". En aquel momento era así. Tal vez lo sigue siendo. Descubrís una banda y luego vas a sus raíces.

Sangre, cuero, sierras circulares y una pose que decía: "no venimos a gustarte, venimos a volarte la cabeza." Y eso, para un gurí de 15 años en los '80, era tremendamente tentador!

Obviamente W.A.S.P. entraba por los ojos (y los padres los detestaban inmediatamente), pero reducir a W.A.S.P. al show grotesco es perderse lo más importante. Porque detrás del circo había riffs, melodías pegajosas, coros para gritar a todo pulmón y una oscuridad que los diferenciaba del resto del glam angelino. Mientras otras bandas pedían amor a gritos, Blackie Lawless hablaba de decadencia, poder, y redención, bajo en mano (algo también poco común por aquel entonces). 

Su debut del '84 fue dinamita pura. "I Wanna Be Somebody" era un grito desesperado, más cercano a Alice Cooper que a Mötley Crüe. Pero fue con "The Headless Children" (1989) donde demostraron que podían ir más allá del escándalo. Un disco maduro, denso, con temas como "The Real Me" o "Forever Free" que todavía hoy suenan brutales. Y después vino "The Crimson Idol" (1992), una ópera rock oscura que, a más de treinta años, sigue siendo una puñalada emocional para cualquiera que la escuche de principio a fin.

De allí en más, W.A.S.P. pasó por muchos cambios en la formación (si bien ya había tenido bastantes), y por muchos enfoques musicales distintos, de lo introspectivo de "The Crimson Idol" al metal industrial de "Kill Fuck Die", para luego retornar a lo que los llevó a la fama en "Helldorado", sin olvidarse de los trabajos conceptuales como "Dying for the World", "The Neon God", o "Golgotha"

Supieron tener su buena parte de controversia por los espectáculos ofrecidos, e incluso estar en la mira de la PMRC, aquella organización liderada por Tipper Gore (la esposa de Al Gore), quienes iban en busca de las cabezas de todos aquellos que glorificaran  la violencia, el consumo de sustancias, o cuyas canciones tuvieran algún tipo de contenido sexual. Sin embargo, eso les hizo ganar más adeptos. 

Giraron con varios monstruos de la escena del rock, abriendo para KISS, Iron Maiden, y varios más, participando en festivales de renombre como en el Monsters of Rock, y vendiendo más de 12 millones de discos.

Y finalmente un día llegaron por estos lares, dejando un show con más luces que sombras, recurriendo muchísimo a los backing tracks para Lawless, pero dejando a los fans bastante contentos con un show que se enfocó en los 40 años de su álbum debut. Los W.A.S.P. actuales no son los de antes, pero el fuego sigue ahí. Y cada vez que vuelvo a poner Wild Child, Sleeping (In the Fire), o I Wanna Be Somebody, me acuerdo por qué me enamoré del heavy metal: por ese exceso sin pedir disculpas, por ese equilibrio entre la rabia y la melancolía, y porque, en el fondo, todos queríamos ser alguien. Y ellos lo gritaban sin vergüenza.

PAÍS: U.S.A.

ESTILO: hard rock / heavy metal 

SIMILAR A: Mötley Crüe / Twisted sister 

AÑOS ACTIVOS: 1982 - presente

MIEMBROS ACTUALES: Blackie Lawless (voz, guitarra), Doug Blair (guitarra principal), Mike Duda (bajo), Aquiles Priester (batería)

TOP 5 TRACKS:

1) Wild Child

2) Blind in Texas

3) Sleeping in the Fire

4) The Headlesss Children

5) L.O.V.E. Machine

DISCOGRAFÍA (de estudio):

1984 - W.A.S.P.

1985 - The Last Command

1986 - Inside the Electric Circus

1989 - The Headless Children

1992 - The Crimson Idol

1995 - Still not Black Enough

1997 - Kill. Fuck. Die.

1999 - Helldorado

2001 - Unholy Terror

2002 - Dying for the World

2004 - The Neon God: Part 1 - The Rise

2004 - The Neon God: Part 2 - The Demise

2007 - Dominator

2009 - Babylon

2015 - Golgotha

2018 - Re-Idolized

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EL CULEBRÓN TIMBAL: REVOLUCIÓN SOCIAL, COMUNIDAD, Y ROCK

 

Si...un título que podría necesitar una explicación, pero es que El Culebrón Timbal está difícil de encasillar; van mucho más allá de la música. El Culebrón es un centro cultural comunitario, una escuela, una productora, un complejo artístico, tiene una radio, un periódico, y un centro de formación cultural. Y, sí, una banda de rock. 

Teniendo como objetivo primario el promover el ejercicio del derecho a la comunicación, el arte, y la cultura en sus más diversas formas a través de la participación comunitaria, y llegando, por ejemplo a organizar marchas de carrozas juveniles, colonias de vacaciones, y festivales artísticos, el Culebrón también canta, siendo ésta sólo una forma más de comunicar y ser parte de la comunidad del Gran Buenos Aires.

Coordinador y miembro fundador (además de músico, cantor, maestro, y dibujante) Eduardo Balán aclara que en realidad El Culebrón sí comenzó, allá por el '96, como una banda de rock, pero que al intentar hacer circular su música, y como varios integrantes tenían militancia barrial y social, de a poco fueron integrando otras organizaciones sociales barriales en su movida, ampliando el espectro cultural de El Culebrón, en lo que ellos denominaron, en su momento: "un guiso de rock, comic, y teatro". Armaron un carromato, recorrieron América (tocando, entre otros, para "los sintierra" y el subcomandante Marcos), fundaron su propio cuartel y centro cultural, y eventualmente el "plurimedio" del que hablábamos al principio.

Podríamos charlar horas sobre todo lo que hace El Culebrón, pero, como este es un blog de rock, vayamos al grano. No obstante, por acá te dejo un link por si te interesa seguir indagando en esta más que interesante (y necesaria) miríada de propuestas de esta organización. Musicalmente, El Culebrón mezcla murga (de la argentina) con rock, recitado, ska, y hasta folclore. Lanzando su disco homónimo en el '96, tienen su pico más alto con "Territorio", en el '99. Explotando en vivo (recuerdo ese año conocerlos en su cuartel de Floresta con un recital que resultó realmente impresionante), El Culebrón contagia, y su mística es envolvente. Cuando uno conoce todo lo que propone el plurimedio "timbal" - independientemente de sesgos políticos - no puede menos que revalorar y entender el contenido lírico de sus letras y música, desde un relato policial del conurbano bonaerense en su primer álbum, a las luchas de poder del segundo, o la búsqueda de identidad y transformación social en "Gualicho del Cascarudo". Abajo te dejo una muestra de cómo luce El Culebrón Timbal, una banda que probablemente desconozcas, y que más probablemente te guste.

PAÍS: ARGENTINA

ESTILO: rock / ska / folclore / murga

SIMILAR A: Los Fabulosos Cadillacs / Karamelo Santo

AÑOS ACTIVOS: 1996 - 2020 (con intermitencias)

TOP TRACKS:

1) Filo

2) Basavolver

3) Cachazú

4) Cascarú

5) De piel

DISCOGRAFÍA:

1996 - Culebrón Timbal

1999 - Territorio

2002 - Gualicho del Cascarudo

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TOM PETTY - ENTRE EL CIELO Y LA CARRETERA

 

Era un 2 de Octubre del 2017 y el gran Tom Petty fallecía a causa de una sobredosis al combinar opioides, sedantes, y antidepresivos. El mundo del rock estaba consternado de ver como este músico, cantante, compositor, productor, y hasta ocasional actor fallecía a los 66 años dejando atrás más que un legado de grandes canciones, si no además el espíritu de desafío contra la industria de la música, y un clamor a mantener la autenticidad en la música de cada compositor e intérprete. 

Considerado entre los 100 artistas más influyentes de todos los tiempos por la revista Rolling Stones, habiendo vendido la friolera de más de 80 millones de discos, y dejado detrás de sí decenas de éxitos, Tom Earl Petty no había tenido ninguna aspiración musical hasta la influencia de Elvis y The Beatles. Ya por el '77 la canción "Breakdown" sonaba bastante por las radios del hemisferio norte, si bien fue recién con su segundo álbum que logra su primer disco de oro, disco que contaría con temas como "Listen to her Heart" y "I Need to Know". Cuando su disquera (ABC Records) es vendida a MCA Records, Petty se niega a ser transferido sin su consentimiento, lo que eventualmente deriva en su bancarrota.

Petty volvería a la carga con su banda The Heartbreakers y lanzarían una serie de álbumes, teniendo alguno muy buena venta ("Damn the Torpedoes" vendió casi 2.5 millones de copias), si bien otros no gozaron de ese éxito. No fue hasta 1989 con "Full Moon Fever" (mi favorito personal) que Petty tendría la masividad que se venía granjeando. No sólo contó el disco con temas inmortales como "Free Fallin'", "I Won't Back Down", "Runnin' Down a Dream", o "Feel a Whole Lot Better", si no que por si fuera poco vendió más de 6 millones de copias. Antes y después de este disco, Petty formó parte de la mega banda Traveling Wilburys, junto a Bob Dylan, George Harrison, y Roy Orbison. Su cara y su voz estaban por todas partes, y sus videos eran también parte de ello. Al lanzar "Into the Great Wide Open" en el '91 los videos de "Learning to Fly" e "Into the Great Wide Open" (que contara con un joven Johnny Depp) contarían con alta rotación en VH1 y MTV (ya previamente giraba por las cadenas de videos el tema "Mary Jane's Last Dance" con Kim Basinger y el propio Petty como estrellas). 

El éxito de Petty no se limito a estos discos o a la década de los '80. "Wildflowers" (1994) vendería 3.5 millones de copias, y si bien los éxitos en singles no fueron tan contundentes como los de sus dos predecesores, temas como "You Don't Know How it Feels" y "You Wreck Me" llegaron a oídos de muchos y formaron parte de su posterior colección de grandes éxitos. 

Las historias narradas en las canciones de Petty son reflejos de la vida cotidiana, y también del alma. La búsqueda del ser, la autenticidad del yo, el eterno recorrer de la ruta - y la ruta misma como metáfora para la vida -, teniendo el cielo como límite y referencia, están muy presentes en sus composiciones. Petty, con esa mezcla de folk y rock tan características, conectó como pocos con el público y sus escuchas, abarcando a más de una generación y generando adeptos internacionalmente, a pesar de que es sin dudas el público norteamericano el que pudo sentirlo más propio y contemplado en sus composiciones. 

PAÍS: USA

ESTILO: rock / folk / southern rock 

SIMILAR A: George Harrison / Stevie Nicks / Roy Orbison / Jeff Lynne

AÑOS ACTIVO: 1967 - 2017

TOP 5 TRACKS:

1) I Wont' Back Down

2) Love Is a Long Road

3) Free Fallin'

4) Mary Jane's Last Dance

5) Into the Great Wide Open

DISCOGRAFÍA (incluye solitario y con the Hearbreakers*)

1976 - Tom Petty & the Heartbreakers*

1978 - You're Gonna Get it!*

1979 - Damn the Torpedoes*

1981 - Hard Promises*

1982 - Long After Dark*

1985 - Southern Accents*

1987 - Let Me Up (I've Had Enough)*

1989 - Full Moon Fever

1991 - Into the Great Wide Open*

1994 - Wildflowers

1999 - Echo*

2002 - The Last DJ*

2006 - Highway Companion

2010 - Mojo*

2014 - Hypnotic Eye*

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SARATOGA - A SANGRE Y FUEGO

 

Ya hace más de 30 años que están en la vuelta, si bien el único miembro fundador que se encuentra entre sus filas en la actualidad es el bajista Niko del Hierro. 

Combinando características propias del power metal como ritmo rápido, agresivo y melódico a la vez, con influencias de la música clásica, voces potentes y con muchos rangos, guitarras filosas, dobles bombos, y letras épicas, Saratoga le agrega además elementos citadinos, religiosos, históricos, y cantos a la libertad y al amor, lo que la convierta en una banda realmente abarcativa. 

Es en 1995 cuando Saratoga lanza al mercado su disco homónimo, con una formación completamente diferente a la actual, entre ellos con Fortu Sánches (ex- Obus) en voces, que empiezan a ser reconocidos. Sin embargo, sería con su tercer disco "Mi Ciudad" donde redefinirían su sonido, con clásicos de la banda que son pilares incluso en sus conciertos hoy día como "Perro Traidor", "Lejos de tí", "Rojo Fuego", o el propio "Mi Ciudad". 

Ya con Leo Jiménez - quizás el vocalista más icónico de la banda - sacarían los discos que pondrían a Saratoga como un referente del género, no solo en España sino también en Latinoamérica. Tanto "Agotarás" (con temas como "Tras las Rejas", "Las Puertas del Cielo", o "Resurrección"), como "Vientos de Guerra" (con "A Sangre y Fuego" y "Si te vas"), llegando a "El Clan de la Lucha" (incluyendo "Maldito Corazón", "Ángel de Barro", y "Si Amaneciera") le generarían a los madrileños una muy sólida base de fanáticos. 

Para el 2007 sacarían (mi favorito personal) "VII" ya contando con el actual vocalista, Tete Novoa. Este álbum contiene tantos temas buenos que me es difícil destacar un par: "El Vuelo del Halcón", "Dueño del Aire", "Gran Mago", "Bailando con el Diablo", "Huracán", y "La Maldición" son solo algunos a destacar. Y con Novoa ganándose un justo lugar entre los fans, llegarían más álbumes: "Secretos y Revelaciones" contaría con un clásico instantáneo en "No Sufriré Jamás por ti", o "Némesis" con grandes canciones como "Juicio Final" o "Ángel o Demonio".

Últimamente los hemos tenido por Sudamérica, tanto en Montevideo, Potosí, La Paz, Santiago, y Buenos Aires, haciendo gala de todo el rock que Del Hierro, Novoa y compañía son capaces de ofrecer. A escucharlos y a disfrutarlos como corresponde!

PAIS: España

ESTILO: power metal / heavy metal

SIMILARES A: Helloween / Stratovarius / Rata Blanca

AÑOS ACTIVOS: 1992 - actualidad

MIEMBROS ACTUALES: Niko del Hierro (bajo), Tete Novoa (voz), Arnau Martí (batería), Charlie Parra del Riego (guitarra)

TOP 5 TRACKS:

1) Maldito Corazón

2) No Sufriré Jamás por ti

3) Tras las Rejas

4) El Vuelo del Halcón

5) Dueño del Aire

DISCOGRAFÍA (de estudio):

1995 - Saratoga

1996 - Tributo

1997 - Mi Ciudad

1999 - Vientos de Guerra

2002 - Agotarás

2004 - El Clan de la Lucha

2005 - Tierra de Lobos

2007 - VII

2009 - Secretos y Revelaciones

2012 - Némesis

2016 - Morir en el bien, vivir en el mal

2018 - Aeternus

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TESLA - LA BANDA...NO EL AUTO

 

Al grito de "No machines!" - ya que se vanagloriaban de no utilizar maquinaria extra para sonar de la forma que siempre lo hicieron, simplemente un bajo, una batería, un par de guitarras afiladas, y una aún más afilada voz de Jeff Keith - Tesla tiene además que andar eludiendo ahora el ser asociados con la marca de autos y no con su música...ni siquiera con su musa inspiradora, el gran Nikola.

Originarios de Sacramento, la banda se forma en el '84 con el mencionado Keith en voces (casi que un hermano perdido de Steven Tyler), Frank Hannon y Tommy Skeoch en guitarras, Brian Wheat en bajo, y el gran Troy Luccketta en bata (Tommy sería luego de años sustituido por Dave Rude).

Con una música principalmente identificada con el hard rock, pero con notorias influencias del blues, y muchos medio-tiempos, Tesla hace su debut discográfico con el disco "Mechanical Resonance", y temas como "Cumin' Atcha Live" (mi favorito personal de ese disco), "Gettin' Better" (canción super positiva si las hay, con una estrofa que pinta de cuerpo y alma que si las cosas no salen ahora ya van a salir: "Soon the sun will shine through my window / When it's gonna come / You know I really couldn't say / oh...but I know, it's gettin' better every day"), y otros muy buenos tracks como "Love Me", y un favorito de la banda (no mío), "Modern Day Cowboy", los muchachos de California empezaban a atraer miradas de fans y críticos. 

Sería con su segundo álbum, "The Great Radio Controversy" que llegarían al público grande; canciones como "Heaven's Trail (No Way Out)" - con uno de los mejores riffs de la banda - , "The Way it Is", "Paradise" (hermosa balada), y en especial "Love Song" (rotada bastante en MTV), los pondrían en el Olimpo de las bandas que sonaban fuerte por fines de los ochenta.

Para el ´90 editarían algo no tan común aún como ser un álbum acústico, llamado "Five Men Acoustical Jam", no sólo incluyendo temas de sus dos álbumes anteriores si no además un "We Can Work it Out" de Beatles, un "Lodi" de Credence, y hasta un "Mother's Little Helper" de los Rolling. Y la clavaron al ángulo.

Más adelante vendrían dos de sus mejores discos (para este humilde servidor), como el "Psychotic Supper" (con el gran Nikola en la portada), uno de esos discos del que no te puedo destacar un tema porque todo está ineludible (bueno, si...puedo mencionar "Edison's Medicine" - tema que habla de cómo Edison engañó a Tesla - , "Call it What you Want", "Don't De-Rock Me", and "What You Give" - en mi top 5 de baladas de la historia). El otro gran disco que seguiría los pasos del mencionado "Psychotic..." sería el "Bust a Nut", con un montón de grandes canciones como "Solution", "Shine Away", "She want, she want", "Mama's Fool", y "A Lot to Lose" (sobre sobrellevar los tiempos más complejos de una pareja). Otro discazo! 

Más adelante, y con el furor del hard rock siendo historia, Tesla continuaría sacando muy buenos álbumes como el "Into the Now", con temas como el homónimo, o "Look @ Me", "Caught in a Dream", o el muy buen corte "Mighty Mouse".

Vivitos y coleando al momento de escribir estas líneas (de hecho tiene por allí un disco en vivo - cortito pero efectivo - del 2023 llamado "Full Throttle Live"), Tesla es una de esas bandas que tal vez, si nunca estuviste mucho dentro del palo heavy/hard rock no conozcas por nombre, pero te puedo asegurar que, incluso si no te copan las músicas estridentes, o por el contrario, si te va el sonido más duro, algo que te guste vas a encontrar dentro del catálogo de estos 5 tipos que, creo, nunca tuvieron el reconocimiento que se merecieron, ya que tienen excelentes temas, son musicalmente virtuosos, y ofrecen algo para varios paladares... será que nunca fueron conflictivos, son prolijos, y tuvieron un perfil relativamente bajo?? 

Hacete un favor y pegales una escuchada!

PAÍS: U.S.A.

ESTILO: Hard Rock / Blues Rock / Glam Metal

SIMILARES A: Aerosmith / Def Leppard

AÑOS ACTIVOS: 1984 - 1996 / 2000 - presente

MIEMBROS ACTUALES: Jeff Keith (voz), Frank Hannon y Dave Rude (guitarras), Brian Wheat (bajo), Troy Luccketta (batería)

TOP 5 TRACKS:

1) Edison's Medicine

2) What You Give

3) Heaven's Trail

4) A Lot to Lose

5) Call it What You Want

DISCOGRAFÍA (de estudio):

1986 - Mechanical Resonance

1989 - The Great Radio Controversy

1991 - Psychotic Supper

1994 - Bust a Nut

2004 - Into the Now

2007 - Real to Reel

2007 - Real to Reel vol.2

2008 - Forever More

2014 - Simplicity

2019 - Shock

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EMERALD SUN - POWER METAL DESDE EL OLIMPO

 

Formados en 1998, Emerald Sun es una banda de power metal originaria de Tesaloinka, Grecia. Su influencia de la mitología griega se refleja en sus letras, que a menudo están inspiradas en héroes, dioses, y leyendas de la antigua Grecia, ora de forma más evidente como en "Land of Light" (su mención a Leónidas y a Alejandro Magno lo marca de forma inequívoca) o en "Kingdom of Gods", ora de forma más sutil como en "Where Angels Fly" que bien podría hacer referencia al mito de Ícaro y Dédalo...o no. Esto añade profundidad y un aspecto narrativa original a su música, llevando a los oyentes a un viaje a través de historias épicas y mitos. No todo es leyenda, por supuesto, ya que los "Sun" cuentan con algún semi-tiempo pseudo-ecologista como en "Gaia" (una revancha que se toma la Madre Tierra por todo el daño que le venimos haciendo), o del otro lado, un muy interesante hard rock en "Hellbound", donde la temática vampiresca la vuelve digna de ser parte de la banda de sonido de un "Del Crepúsculo al Amanecer".

Musicalmente, Emerald Sun se destaca por su enfoque en el power metal, caracterizado por ritmos rápidos, melodías épicas, y coros poderosos. Su estilo enérgico y emotivo crea una experiencia auditiva emocionante y teatral, que complemente a la perfección las temáticas de sus canciones. Los riffs de guitarra potentes, la presencia de un bajo más que interesante que destaca en varios temas, y la voz de "Theo" Tsakirides - a veces inclinándose hacia lo que haría un Kai Hansen, otras más hacia Halford (como en "Speak of the Devil"), añaden una capa adicional de intensidad a su música.

Emerald Sun fue una de esas bandas que descubrí por "asociación" a otras, y cada día suena más en mi playlist de power metal en Spotify.

PAÍS: Grecia

ESTILO: power metal / hard rock

SIMILARES A: Crystallion / Gamma Ray / Kaledon

AÑOS ACTIVOS: 1998 al presente

MIEMBROS ACTUALES: Jim Tsakirides (teclado), Sheriff (bajo), Stelios Tsakirides (voz), Giorgos (batería), Pavlos Giorgiadis (guitarra)

TOP 5 TRACKS:

1) Speak of the Devil

2) Kill or Be Killed

3) Hellbound

4) We Won't Fall

5) Screamers in the Storm

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DISCOGRAFÍA:

2005 - The Story Begins

2007 - Escape from Twilight

2011 - Regeneration

2015 - Metal Dome

2018 - Under the Course of Silence

2021 - Kingdom of Gods