Formados en 1998, Emerald Sun es una banda de power metal originaria de Tesaloinka, Grecia. Su influencia de la mitología griega se refleja en sus letras, que a menudo están inspiradas en héroes, dioses, y leyendas de la antigua Grecia, ora de forma más evidente como en "Land of Light" (su mención a Leónidas y a Alejandro Magno lo marca de forma inequívoca) o en "Kingdom of Gods", ora de forma más sutil como en "Where Angels Fly" que bien podría hacer referencia al mito de Ícaro y Dédalo...o no. Esto añade profundidad y un aspecto narrativa original a su música, llevando a los oyentes a un viaje a través de historias épicas y mitos. No todo es leyenda, por supuesto, ya que los "Sun" cuentan con algún semi-tiempo pseudo-ecologista como en "Gaia" (una revancha que se toma la Madre Tierra por todo el daño que le venimos haciendo), o del otro lado, un muy interesante hard rock en "Hellbound", donde la temática vampiresca la vuelve digna de ser parte de la banda de sonido de un "Del Crepúsculo al Amanecer".
Musicalmente, Emerald Sun se destaca por su enfoque en el power metal, caracterizado por ritmos rápidos, melodías épicas, y coros poderosos. Su estilo enérgico y emotivo crea una experiencia auditiva emocionante y teatral, que complemente a la perfección las temáticas de sus canciones. Los riffs de guitarra potentes, la presencia de un bajo más que interesante que destaca en varios temas, y la voz de "Theo" Tsakirides - a veces inclinándose hacia lo que haría un Kai Hansen, otras más hacia Halford (como en "Speak of the Devil"), añaden una capa adicional de intensidad a su música.
Emerald Sun fue una de esas bandas que descubrí por "asociación" a otras, y cada día suena más en mi playlist de power metal en Spotify.
PAÍS: Grecia
ESTILO: power metal / hard rock
SIMILARES A: Crystallion / Gamma Ray / Kaledon
AÑOS ACTIVOS: 1998 al presente
MIEMBROS ACTUALES: Jim Tsakirides (teclado), Sheriff (bajo), Stelios Tsakirides (voz), Giorgos (batería), Pavlos Giorgiadis (guitarra)
20 años atrás se juntaban el bajista Martin Herzinger y el baterista Steve Hall con la idea de formar una banda de power metal cuyas letras reflejaran su amor por determinados hechos históricos. Es así que nace Crystallion: una banda al estilo Helloween o Sonata Arctica, con fuerte influencia de teclados, y la voz del talentosísimo Thomas Strübler. El arranque no podía ser más promisorio; el album "A Dark Enchanted Crystal Night" fue lanzado en el 2006, y tanto crítica como amantes del género lo recibieron con entusiasmo. Temas como "Guardians of the Sunrise", "Eternia" (oh, si...referencias a "He-Man"?), el poderoso "Crystal Clear", y uno de los buques insignia de la banda, "Burning Bridges", formarían parte de esta primera entrega que auguraba buenas cosechas.
El segundo album tardaría solo 2 años en ver la luz, dándole más lugar al teclado y menos a la guitarra, ya que uno de los "violeros" (Florian Ramsauer) dejaría la banda. Titulado "Hattin", esta obra conceptual nos relata los eventos acaecidos en la batalla homónima ocurrida en Palestina en el año 1187 entre el ejército cruzado (caballeros templarios y hospitalarios) contra las tropas del Rey Saladino. Canciones como "Under Siege" y "Wings of Thunder" destacan por sobre el resto, pero el cometido es cumplido con creces: batallas épicas, muertes con (o sin) honor, luchas religiosas, doble bombos, teclados medidos, y una ambientación que telleva al pasado.
Sólamente un año después aparecería "Hundred Days" - album con el que descubrí la banda, y un favorito personal conjuntamente con el primero - , donde se le baja un poco el tono al power metal más clásico para agregar elementos de hard rock (aunque el toque power metal nunca se pierde). Siendo otra obra conceptual, este disco se enfoca en el retorno del exilio en la isla de Elba del gran Napoleón Bonaparte, quien tratando de conquistar Europa es finalmente vencido en Waterloo por el Almirante Nelson, para ser desterrado una vez más, en esta ocasión a la isla de Santa Helena. Como su predecesor, "Hundred Days" debe ser escuchado en orden para poder seguir toda la historia de estos 100 días de Napoleón. Siendo dificil destacar temas, podríamos mencionar "Hougomount" (lucha que se dio lugar el 18 de Julio de 1815 y que fuera clave para la derrota francesa, donde Wellington mantuvo la posición y pudo repelera a casi 10000 franceses con solo 2600 soldados), "Sole Survivors" (que trata de la batalla de Ligny - 16 de Junio de 1815 - donde los franceses derrotaban a los prusianos), o la propia "Nations Falling" hablando del final de esta serie de enfrentamientos donde Napoleón finalmente pierde.
Hasta aquí todo épico y maravilloso, y la banda - especialmente si te gusta la historia - era algo muy serio a lo que prestarle atención. Entonces, a qué viene el título del artículo? Es que luego de 15 años, Strübler decide dar un paso al costado y no ser más parte de la banda. Y...como suele ocurrir, si se va el cantante, la banda corre grandes riesgos de perder su impronta y la personalidad. Qué decisiones tomaron Hall y Herzinger? Traer una chica al micrófono (Kristina Berchtold), cambiar el estilo musical de power metal a rock / soft rock, seguir sin tecladista, y dejar las temáticas históricas de lado para escribir más canciones clichés. En esos 4 pasos, básicamente dejaron de ser Crystallion. Los últimos dos discos...no sabría ni cómo definirlos. Una pena. Por lo menos para mi. Aunque, según recientes videos, no todo está perdido...
Cuando se habla de "Los 4 Grandes del Thrash" se deja fuera a varias bandas de renombre dentro del género, como Testament, Exodus, Kreator, Sodom, o Sepultura; es también indudable que el #1 lo ostenta Metallica (por masividad), y el #2 es fija para Megadeth. Dicho esto, quién debería completar el podio y quién contentarse con el 4to lugar: los muchachos liderados por Scott Ian o los chicos de Slayer? En lo personal, no tengo ninguna duda que los newyorkinos se llevan la de bronce, pero quienes piensen que los de Kerry King se lo merecen más, fundamentos no les faltarán.
Formada en el '81, Anthrax es una banda que ha logrado vender más de 10 millones de discos en todo el mundo a lo largo de su vasta carrera, aunque, para ser honestos, en estos 42 años han sacado alrededor de 10 discos (1 album cada 4 años se antoja al menos "pocote"). Lanzando su primer disco en el '84 ("Fistful of Metal", el cual contaba con una versión del clásico de Alice Cooper "I'm Eighteen"), al año siguiente ya la banda sufriría cambios importantes, entre ellos la partida de Neil Turbin (voz) y Dan Lilker (bajo), quienes serían remplazado por Joey Belladona y Frank Bello, respectivamente, y con quienes ya editara en el '85 "Spreading the Disease", el que contara con su primer éxito considerable, "Madhouse". Es un par de años más tarde, con "Among the Living" (album dedicado a la memoria de Cliff Burton, bajista de Metallica trágicamente fallecido 6 meses antes), que la banda conseguiría el éxito masivo, la aclamación de la crítica, y un buen número de ventas (unas 560.000 aprox.). Canciones tales como "I am the Law" (tema que habla del personaje de comic Juez Dredd), "Among the Living" (tributo a la novela de Stephen King "The Stand"), "Caught in a Mosh" (donde la banda relaciona el quedarse atrapado en el medio de un "pogo" - "mosh pit" - con el lidiar con personas imposibles; la línea "Talking to you, is like clapping with one hand" es definitivamente una de mis favoritas de Anthrax), y el éxito "Indians" (donde se eleva la voz por los nativos americanos tirados en reservas y tratados como ciudadanos de segunda), se volvieron temas ineludibles en cualquier concierto de la banda. Es también en ese año que la banda editaría un EP que además de incluir "I am the Law", "Caught in a Mosh" (en vivo) y un cover de "Sabbath Bloody Sabbath", traería como tema icónico "I am the Man", una fusión de hip-hop y metal muy poco común para aquellos tiempos. Este EP vendería más que cualquier larga duración, llegando a más de 1 millon de copias a nivel mundial.
Con su próximo disco ("State of Euphoria"), los éxitos en venta (610.000 copias) y crítica continuaron. Si bien en ese álbum hay grandes temas como "Be All, End All", "Misery Loves Company", y "Finale" (con otra línea imposible de olvidar como "I drink three six packs just so I can look at your face. Finally"), el single que destacaría por encima del resto sería "Antisocial" (tema sobre aquellas personas que anteponen el hacer dinero a todo lo demás). Los éxitos en venta y la buena prensa seguirían son sus dos siguiente discos, "Persistence of Time" y "The Sound of the White Noise" (vendiendo más de un millón de copias entre los dos). Temas como "Time", "Got the Time" (un favorito personal por cómo describe a alguien dependiente del tiempo, como este servidor), e "In My World" destacarían del primero, y "Potter's Field" y "Only" del segundo. Joey Belladona es despedido luego de la edición de "Persistence..." para ser reemplazado por John Bush (de Armored Saints) con quien se grabaría "Sound..." Luego llegarían los fracasos comerciales con "Stomp 442" y "Volume 8: the Threat is Real", por lo menos en cuanto a ventas, mas no así en directo, donde la banda siempre se sintió a gusto y respaldada.
A principios de los 2000, cuando hubo unos ataques en USA con sobres con anthrax, la banda incluso pensó en cambiar su nombre, pero luego descartaron esa idea. Para el 2005 se daría una reunión de los miembros más consistentes de la banda (Ian, Charlie Benante, Belladonna, Bello, y Dan Spitz), aunque la formación duraría poco. Para el 2009 volvería John Bush en voces, sólo momentáneamente, y que en el 2010 Belladonna sería llamado una vez más, y con él finalmente lanzarían "Worship Music", donde recuperarían (en parte) la buena crítica y ventas de sus mejores épocas. Forman el disco canciones como "The Devil You Know" (sobre los veteranos de la Segunda Guerra Mundial), un tributo a Ronnie James Dio y Dimebag Darrell (Pantera) en "In the End", y otro a Judas Priest en el tema homónimo (aunque este tema no suele ser tocado en vivo).
Anthrax sigue muy activo y vigente hasta el día de hoy, siendo responsables de la redefinición del thrash metal como se conocía en lo '80 (con influencias del punk y del rap, más velocidad, y más humor en sus letras), teniendo un impacto directo en bandas que aparecerían más tarde, como Slipknot, Killswitch Engage, Korn, Lamb of God, Papa Roach, o Limp Bizkit.
Cuando le digo a la gente que soy gran fan del rock pirata, todos aquellos que no conocen a Alestorm me miran como a un loco: "Rock pirata!? Vos estás mal!". Mientras no discuto esto último, los oriundos de Escocia (aunque en realidad no todos) son de las bandas más divertidas que podés ver en vivo. Cuando vinieron a Montevideo por primera vez en el 2017, llevé a un amigo que no los conocía y quedó gratamente sorprendido. Éramos pocos aquella noche en el MMBox, al punto tal que tanto Christopher Bowes como Máté Bodor (cantante y guitarrista, respectivamente) salieron a sacarse fotos con la gente que quedaba en las afueras de la sala. Este año volvieron, y fui con mi amigo de nuevo. Creo que lo disfrutó más que yo (aunque difícil que sea cierto).
Debutando en el 2004 con el nombre de Battleheart, definieron su estilo como "True Scottish Metal Pirate". Luego de un par de sencillos, 4 años más tarde pasan a llamarse "Alestorm" firmando con el sello para bandas heavy por antonomasia, Napalm Records. Al año siguiente lanzan "Captain Morgan's Revenge", disco que marcaría el destino de la banda, y que como tema de cierre incluye un himno escocés como "Flower of Scotland". "Over the Seas", "The Huntmaster", "Nancy the Tavern Wench", y "Terror on the High Seas" son otros de los temas destacados de ese primer album.
Su segunda producción - "Black Sails at Midnight" - estuvo a la altura de las expectativas, manteniendo "la seriedad" de los temas, que iban por el lado de historias de piratas, costumbres, y mitos. Por allí destacan "The Quest", "Leviathan", "Keelhauled", el tema homónimo "Black Sails...", y otro tema estilo "himno", "Wolves at the Sea".
Ya para el tercer disco - "Back Through Time" - empiezan los delirios en la temática, ya que tendremos por ejemplo, en el tema que da nombre al disco, un viaje al pasado que enfrentará piratas y vikingos. Por acá destacan "Shipwrecked", "The Sunk'n Norwegian", "Rum" y el cover de Stan Rogers "Barrett's Privateers", canción que narra la vida de un joven pescador en 1778 que se enlista en el barco "Antelope" bajo la promesa de un viaje sin violencia y termina con el protagonista lisiado narrando las desventuras de dicho viaje. Hay un tema aquí autorreferente a la incapacidad de encontrar temáticas para futuras canciones - "Scraping the Barrel" - ya que parecen haberse agotado todas las historias de piratas. Si bien, en parte pronosticaron su propio futuro (de cierta forma) , el tema de piratas, bucaneros, y buques perdidos no estuvo ausente en discos venideros ("Walk the Plank", "1741 (The Battle of Cartagena"), "Quest for Ships" del "Sunset on the Golden Age"; "No Grave but the Sea", y "To the End of the World" del "No Grave..."; "Henry Martin" del "Curse of the Crystal Coconut", o "Magellan's Expedition"y "The Battle of Cape Fear River" del "Seventh Rum of a Seventh Rum" son algunos ejemplos). Es cierto que en las últimas producciones predominan las canciones de fiesta como "P.A.R.T.Y.", "Come to Brazil", "Mexico" (tal vez el primero de un estilo "fiestero" de los Alestorm, y hermoso para agitar en vivo), "Treasure Chest Party Quest", "Zombies Ate My Pirate Ship", y "Pirate Metal Drinking Crew" son algunos ejemplos del nuevo camino de la banda, que parece ser del agrado de muchos, y que definitivamente rinde en vivo. En lo personal, para escuchar en casa me quedo con los 3 o 4 primeros discos, pero admito que en vivo este otro aspecto se hace necesario.
Difícil como pocas veces elegir un top 5, pero bueh, abajo lo tenés.
PAÍS: Escocia
ESTILO: folk metal / power metal / pirate metal / freak metal
SIMILARES A: Running Wild / Swashbuckle
AÑOS ACTIVOS: 2004 al presente
MIEMBROS ACTUALES: Christopher Bowes (voz y keytar), Gareth Murdock (bajo), Peter Alcorn (batería), Elliot Vernon (teclados, voz), Máté Bodor (guitarra)
Aunque su nombre no esté conectado a la mitología escandinava - "Amon Amarth" significa "Monte del Destino" en Sindarin, lengua élfica encontrada en "El Señor de los Anillos" - sus canciones se basan casi exclusivamente en las sagas nórdicas y en el estilo de vida vikingo. Su líder, Johan Hegg es no sólo un gran fan del heavy metal, si no también alguien versado en la tradición vikinga, además de contar con un espíritu bastante solidario (de hecho tiene viviendo en su casa a dos mujeres y dos niños refugiados de Ucrania). Hegg es quien escribe la mayoría de las letras (aunque también Ted Lundstrom mete la cuchara), dejando la creación musical a los guitarristas. Sus temas van desde el concepto de la vida vikinga, los viajes a nuevas tierras, o la mitología escandinava, con muchas referencias a Thor, Loki, Odin, Surtur, Hela, y el resto de los dioses vikingos.
Con un estilo que se podría catalogar de melodic death metal vikingo - aunque Hegg se niege a esta última etiqueta -, lo que hacen los muchachos de Amon Amarth no es para todos los públicos. El growling refinado de Hegg, la melodía de las guitarras alternándose con unos riffs bien pesados, y la misma temática de las canciones, convierten a Amon Amarth en una banda única en su género, pero insisto, para una audiencia determinada
Llamados originalmente "Scum", en el '92 cambian su nombre al actual, lanzando un par de sencillos, siendo uno de ellos "Thor Arise", que ya nos daba la idea de qué podría ir la cuestión. Habría que esperar hasta 1998 para que su primer larga duración viera la luz ("Once Sent from the Golden Hall") con una venta original limitada a 1000 copias. En aquel álbum Amon contaba con el guitarrista uruguayo Martín López, quien también formara parte de la banda Opeth.
Con el paso de los años, los suecos han sacado ya 12 álbumes, siendo el más reciente "The Great Heathen Army" (2022). Entre sus producciones, los álbumes más populares son "Twilight of the Thunder God" y "Deceiver of the Gods", aunque seguramente el "die hard fan" te dirá que no son los mejores, y que probablemente este sea "Versus the World" o "With Oden on Our Side".
Sin dudas, son una banda única que vale la pena explorar, y por sobre todo, leerse las letras, que contienen mucha historia y son más que interesantes. Difícil elegir sólo 5 canciones, ya que me quedan afuera "Shield Wall", "Raven's Flight", "As Loke Falls", "Shape Shifter", "Destroyer of the Universe", "The Way of the Vikings", y varias más..pero si hay que escuchar solo 5, abajo tenés una buena selección.
PAÍS: Suecia
ESTILO: melodic death metal
SIMILARES A: Finntroll / Children of Bodom / Opeth
AÑOS ACTIVOS: 1992 al presente
MIEMBROS ACTUALES: Jonah Hegg (voz), Johan Söderberg (guitarra), Olavi Mikkonen (guitarra), Ted Lundström (bajo), Jocke Wallgreen (batería)
Corría el año '87 y el simple "La Cabina" sonaba mucho por estos lares, y como buen pibe de 12 años me encontraba meta repetir "En la cabina no se orina, para eso están las esquinas..", seducido por lo impúdico de la letra, algo extremadamente controversial por aquellos días. No sería hasta un año más tarde, con el tema "Inmaculada" (ese de "le metí una mano, le metí una pierna..."), que asociaría a estos españoles a los que "se les había ido la olla" con el interprete de otras tantas canciones de ese entonces, como "G de Gilipollas", "La Flauta de Bartolo", o "En el Cielo No Hay Alcohol".
Fundado en Córdoba en 1986 por 5 amigos para salir de sus proyectos particulares por un rato, "Pabellón Psiquiátrico" se muda a Madrid para firmar un contrato con Fonomusic y lanzar su primer álbum "La Primera en la Frente" logrando buena repercusión en España, aunque aún mayor fue el éxito alcanzado en Latinoamérica, especialmente en Argentina. De estilo irreverente, rozando lo pornográfico, misógino ("Tus Ays"), y hasta xenófobo ("Mata un mono, mata un inglés"), el Pabellón se hizo sentir, si bien fue censurado en reiteradas ocasiones. Su segunda producción "Somos Dos Lactantes" trajo consigo una producción de mejor calidad, si bien su alcance no fue tan amplio como el de su predecesor. Temas como "Ron" o "Eva se va" se antojan muy buenos técnicamente, y si bien se trató de darles bastante difusión, su repercusión no estuvo a la altura de las expectativas - quizás el tema que más sonó por acá fue "El Poder del Webo" -.
A la salida de Paco Marín se le sumaron las de Charly Japón (quien había sustituido a Marín) y la de Juanma Copé. Con el grupo ya en baja y los dos discos posteriores ("Tongo Banana" y "Pabellón Psquiátrico") sin mucha aceptación por parte del público, los del psiquiátrico se terminan desbandando. Su figura central, "Patuchas", persigue una carrera solista bajo el pseudónimo de Juan Antonio Canta, centrándose en temas de su autoría y en la verbena. Supo de tener gran éxito con el tema "Danza de los 40 Limones" (aquella de "1 limón y medio limón, dos limones y medio limón..."), pero la subsiguiente crítica y frivolidad del público lo terminan impulsando al suicidio el 22 de Diciembre de 1996.
PAÍS: España
ESTILO: punk / humoristico / alternativo
SIMILARES A: El Cuarteto de Nos / Mamonas Assassinas / Mojinos Escozios / Dinamita Pa Los Pollos
AÑOS ACTIVOS: 1986 - 1992
MIEMBROS ORIGINALES: Juanma Copé (saxo), Paco Marín (guitarra), Fernando Prats (bajo), Fernando Alcántara (bateria), Patuchas (voz)
Si hay un tema metalero que suena en todo buen recopilatorio de los '80, donde abundan las Madonnas, los Roxettes, y los Michael Jacksons, ese es sin dudas "C'mon Feel the Noize" de los legendarios Quiet Riot. La bateria de Banali en el hit del año '83 es inconfundible, y puede perfectamente compararse a otros clasicos del rock que destacan por ello como el "We Will Rock You" de Queen, o el "Paradise City" de Guns N'Roses. Y bien que en más de una ocasión habrás entonado el "So, cum on, feel the noize / Girls rock the boys / We get wild, wild, wiiiiild", aunque no supieras de quien se trataba.
Fundada en el '73 por el legendario Randy Rhoads, el bajista Kelly Garni, Kevin Dubrow, y el baterista Drew Forsyth, Quiet Riot no supo del éxito hasta años más tarde, curiosamente, luego de que la banda se separara, y de que el ícono indiscutido muriera en un trágico accidente de aviación. Luego de la muerte de Roads, DuBrow se juntó con el guitarrista Carlos Cavazo, y con el regreso de quien había sido un miembro temporario, el bajista Rudy Sarzo, más la adquisición de Frankie Banali en batería, Quiet Riot saltaría a la fama con su disco más vendido a la fecha, "Metal Health" (unas 16 millones de copias), y que además del tema homónimo, que fuese éxito, y del mega hit ya mencionado (que dicho sea de paso, es un cover de Slade), incluyera otros singles muy promocionados en su momento como "Slick Black Cadillac" o "Let's Get Crazy".
El otro año lanzarían "Condition Critical", y, como era esperable, el álbum no contó con el suceso de su predecesor (y digo que era esperable porque lo del disco anterior había sido algo extremadamente bueno). No obstante - y más allá de las críticas negativas - CC vendió más de 3 millones de copias, lo que para cualquier banda es un buen número. Sin embargo, y añorando lo conseguido un par de años antes, Quiet Riot comienza otro proceso de desbande, comenzando con la partida de Sarzo. Aunque, si DuBrow y compañía pensaban que "Condition Critical" había sido un fracaso, no podían estar más lejos de la realidad. Sus dos siguientes producciones ("QR III" y "Quiet Riot") probaron que el éxito de la banda era definitivamente cosa del pasado. Contrariamente a lo que pasó con otros íconos de los '80, los Riot nunca tuvieron una segunda primavera. Cambios de miembros y la tragedia se sucedieron con los años. El suicidio de uno de sus bajistas, Kenny Hillery (quien grabara con la banda "Terrified") en 1996, la separación oficial de la banda en 2003 (aunque luego se reuniera para grabar "Rehab"), y la posterior muerte de DuBrow por sobredosis en 2007, fueron hechos que terminaron de sepultar un posible regreso de la banda a lo grande.
Más allá de que el baterista insignia de QR, Frankie Banali (quien previamente había dicho que de ninguna manera formaría un Quiet Riot sin DuBrow) reforma a la banda con un staff completamente nuevo. Muchos cambios de formación más tarde, llegamos a lo que podría decirse fue de los puntos más altos de QR en los 2000, con la incorporación del ex-American Idol, James Durbin, en voz, y el DVD en vivo "One Night in Milan", en 2018. En 2020 muere Frankie Banali de cáncer de páncreas, dejando solamente a Sarzo y Cavazo como lo miembros más clásicos de la agrupación (aunque ninguno de los originales). La banda sigue activa a pedido del mismo Banali con 4 miembros "nuevos", aunque todos sabemos que nunca llegará a ser ni de cerca lo que fue hace casi 40 años atrás.
El nombre quizás te resulte familiar, aunque probablemente lo asocies al mítico piloto alemán Manfred von Richthofen y no a la banda de rock española. Los que pintamos canas los tenemos como una banda de referencia, aunque lo más probable es también que no sea una que hayamos escuchado mucho. Sin embargo, estos madrileños (aunque con un uruguayo en la batería), supieron ser pilares del heavy metal / hard rock en nuestro idioma.
Formados en 1980, la banda liderada por los hermanos de Castro, fue, quizás conjuntamente con Obús y Panzer, de las primeras en trascender a nivel internacional desde la "madre patria" con una música que no era mainstream en aquellos tiempos. Con influencias de otros grandes, como ser Purple y Kiss, la relevancia de Barón radica, principalmente, en hacerle llegar un género musical (y una forma de sentir el rock) a gente que no hablaba en inglés, y que por ende podía no sentirse identificada con las mega bandas anglosajonas que surgían en aquel momento, como Iron Maiden.
Con los de Castro ya fuera de su grupo anterior (Coz), y la incorporación de Campuzano en bajo, y el ex-Psiglo, Hermes Calabria, sacarían en el '80 "Larga Vida al Rock and Roll", disco homenaje a John Lennon, recientemente asesinado. Ya siendo populares, se trasladan a Inglaterra para, de la mano de Ian Gillan, grabar "Volúmen Brutal", lo que los llevaría a tocar con bandas tales como Maiden, Marillion, y Twisted Sister. Contando ya con un puñado de éxitos ("Los Rockeros Van al Infierno", "Incomunicación", "Resistiré"), sacan su tercer álbum, "Metalmorfosis", el cual incluye uno de mis favoritos personales (ya que es el tema con el que los conocí), "Casi Me Mato". Algo muy interesante que tenía Barón Rojo, era que no sólo los de Castro componían las canciones, sino que le daban lugar a Campuzano y a su pareja para hacer lo propio. De hecho, uno de los grandes éxitos, "Hijos de Caín", fue compuesto por estos, tema que se incluye en "En un Lugar de la Marcha", disco que también contiene el clásico "Cuerdas de Acero".
Para finales de los '80, y unos 3 discos más tarde, donde se experimentó bastante con nuevos sonidos, tanto Campuzano como Calabria se alejan de la banda. Los motivos son varios, pero básicamente ni Barón ni el heavy en España eran ya lo mismo, y la relación con los de Castro se había vuelto tirante. Estos últimos siguen adelante con varias formaciones, tratando de hacer reflotar la fama y popularidad de Barón Rojo, y editando varios discos con poco éxito. No obstante, gracias al recopilatorio "Larga Vida al Barón", y un documental, la banda supo ganar un segundo impulso con giras y presentaciones en TV, no sólo en España, sino también en Sudamérica, donde gozan de gran popularidad, especialmente en Colombia y Chile.La banda supo juntar a los músicos originales para sus 30 años, y luego de algunos discos más, decide realizar una gira despedida que coincide con sus 40 años en los escenarios. Como todos sabemos, el 2020 fue un año especial, y pandemia mediante la gira no pude llevarse a cabo de la forma debida. En Diciembre de 2021 se llevaría a cabo el que fue (de momento) su concierto despedida...aunque la última palabra la tiene el Barón.
PAÍS: España
ESTILO: hard rock / heavy metal / metal experimental
SIMILARES A: Deep Purple / Rainbow / Kiss
AÑOS ACTIVOS: 1980 - 2022
MIEMBROS ACTUAL: Carlos de Castro (voz, guitarra), Armando de Castro (guitarra, voz), Rafa Díaz (batería), José Luis Morán (bajo)
Sin dudas, gran parte del éxito que tuvo Skid Row a fines de los '80 se debió a su carismático, bien parecido, y potente cantante, Sebastian Bach (del cual un día de estos escribiré acerca de su carrera en solitario). El bahameño, que a la sazón cuenta con 53 años - y al que algunos conocen de su participación en "Gilmore Girls" - fue pieza clave para que la banda liderada por Rachel Bolan y Dave "The Snake" Sabo se codeara con la gloria y vendiera millones de discos.
Lanzando su primer disco en 1989, algunos temas gozaron de tal éxito (y rotación en cadenas de videos del estilo de VH1 y MTV) que se podría decir convirtieron a la banda oriunda de New Jersey en estrellas de inmediato. Asociados a la cultura glam metal de aquel entonces, aunque con un sonido más duro y algunas de sus letras de corte más social o dramático (y esponsoreados por el propio Bon Jovi), canciones como "Youth Gone Wild", "18 and Life", y "I Remember You" hicieron que se vendieran 5 millones de copias solo en USA de ese álbum debut.
El segundo álbum llamado "Slave to the Grind" tuvo sus mayores hits en "Monkey Business", "In a Darkened Room", y "Wasted Time", y estuvo realmente a la altura de las expectativas generadas por su predecesor, si bien con un sonido aún más pesado que en "Skid Row". De gira con Guns N'Roses, Faith No More, y Metallica, la banda seguía a tope de su juego, si bien el género tendía a desaparecer en favor de la aparición del grunge, donde bandas como Nirvana, Alice In Chains, Soundgarden, o Pearl Jam empezaban a copar la parada.
"Subhuman Race", la tercer producción de la banda, sería la última grabación con Sebastian Bach, quien sería despedido por Rachel Bolan. Cambio de productor, un sonido aun más duro, pero muy lejos del suceso que supieran tener. El batero Rob Afuso termina alejándose también, y de allí en más el desdibuje de la agrupación. Si bien este disco cuenta con algún tema interesante como "My Enemy" y "Face Against My Soul", no tuvieron ni la calidad ni la llegada de simples anteriores. "Thickskin" y "Revolutions per Minute" fueron sus últimos trabajos de estudio con, el recientemente fallecido, Johnny Solinger como vocalista. El primero cuenta con un par de temas bastante buenos como "Thick is the Skin" o "Lamb", y una curiosa versión punk de "I Remember You"; en el último destaca el tema country / heavy "You Lie", que podría haberse fácilmente metido en mi top 5, pero...los dos primeros discos se llevan las palmas. Si nunca escuchaste Skid Row, empezá por ahí que no te vas a decepcionar.
PAÍS: U.S.A.
ESTILO: hard rock / glam metal / heavy metal
SIMILARES A: Mötley Crüe / Ratt / Guns N'Roses
AÑOS ACTIVOS: 1986 - 1996 / 1999 - presente
MIEMBROS ACTUALES: Rachel Bolan (bajo), Dave "The Snake" Sabo (guitarra), Scotti Hill (guitarra), Tony Harnell (batería), ZP Theart (voz)
Era 1985, Mijail Gorbachov tomaba las riendas de la U.R.S.S., y poco más de un mes más tarde ponía en práctica una reforma política-económico-social conocida como Perestroika, la cual tuvo como mayor repercusión la disolución de la propia Unión Soviética. En ese marco de apertura internacional es que Gorky Park se forma (1987) y tiene una llegada al mercado occidental que ninguna otra banda de ese territorio había tenido antes.
Ayudados por músicos de la talla de Frank Zappa y Jon Bon Jovi es que los oriundos de Moscú consiguen un contrato con el sello internacional Mercury Records, graban su primer disco, y consiguen que uno de sus sencillos ("Bang!") tenga una alta rotación en MTV (lo que en aquellos tiempos significaba una llegada masiva a audiencias de todo el mundo). Y ese en ese mismo año que se organiza uno de los festivales más multitudinarios (y controversiales) hasta la fecha, donde artistas de la magnitud de Scorpions, Bon Jovi, Mötley Crüe, Cinderella, Skid Row, y Ozzy Osbourne cruzaron el "charco" y durante dos días conmovieron al mundo del rock, con un público ruso extasiado ante algo nunca antes visto.
Pero...así como vinieron se fueron. Como golondrina de verano, su música, basada en un género moribundo y cargada de clichés occidentales, se desvaneció. Es cierto que sacaron luego algunos discos más, pero ya nada sería igual. Estos hijos de la Perestroika habían dejado de ser la sensación que supieron ser por un par de años, y por más que intentaron adaptarse a nuevas movidas, no lo lograron hacer de forma que les trajera la gloria de aquellos días. En el mejor recuerdo quedarán temas como "Peace in Our Time" (con la participación del propio Jon Bon Jovi y Ritchie Sambora), el hit lento "Try to Find Me", o el inigualable "Bang!".
PAÍS: Rusia
ESTILO: glam metal / hard rock
SIMILARES A: Scorpions
AÑOS ACTIVOS: 1987 - 2001, 2005 - presente
MIEMBROS ACTUALES: Alexander Minkov (bajo y voz), Alexey Belov (guitarra, voz, teclados), Yan Yanenkov (guitarra), Alexander Lvov (batería)
.jpg)
