W.A.S.P.: SANGRE, CUERO, Y SIERRAS

No llegué a sus primeros discos en su debido momento, ya que cuando irrumpieron en escena yo era solo un gurí de 9 o 10 años, y los descubrí unos años más tarde, sonando por una FM llamada "El Dorado", que algún programa que otro, le daba bastante cabida a algunos de sus temas. El que recuerdo haber escuchado primero y que me voló la cabeza fue "The Headless Children", y por supuesto, pasó a ser uno que había que "eternizar" en algún compilado cassetero. Y luego vinieron las tapas de los álbumes. Uh...eso sí que para aquel momento era transgresor. Y, por supuesto, más adelante la adquisición de los tan deseados W.A.S.P., álbum debut, y uno que fuera de mis favoritos, "The Last Command". En aquel momento era así. Tal vez lo sigue siendo. Descubrís una banda y luego vas a sus raíces.

Sangre, cuero, sierras circulares y una pose que decía: "no venimos a gustarte, venimos a volarte la cabeza." Y eso, para un gurí de 15 años en los '80, era tremendamente tentador!

Obviamente W.A.S.P. entraba por los ojos (y los padres los detestaban inmediatamente), pero reducir a W.A.S.P. al show grotesco es perderse lo más importante. Porque detrás del circo había riffs, melodías pegajosas, coros para gritar a todo pulmón y una oscuridad que los diferenciaba del resto del glam angelino. Mientras otras bandas pedían amor a gritos, Blackie Lawless hablaba de decadencia, poder, y redención, bajo en mano (algo también poco común por aquel entonces). 

Su debut del '84 fue dinamita pura. "I Wanna Be Somebody" era un grito desesperado, más cercano a Alice Cooper que a Mötley Crüe. Pero fue con "The Headless Children" (1989) donde demostraron que podían ir más allá del escándalo. Un disco maduro, denso, con temas como "The Real Me" o "Forever Free" que todavía hoy suenan brutales. Y después vino "The Crimson Idol" (1992), una ópera rock oscura que, a más de treinta años, sigue siendo una puñalada emocional para cualquiera que la escuche de principio a fin.

De allí en más, W.A.S.P. pasó por muchos cambios en la formación (si bien ya había tenido bastantes), y por muchos enfoques musicales distintos, de lo introspectivo de "The Crimson Idol" al metal industrial de "Kill Fuck Die", para luego retornar a lo que los llevó a la fama en "Helldorado", sin olvidarse de los trabajos conceptuales como "Dying for the World", "The Neon God", o "Golgotha"

Supieron tener su buena parte de controversia por los espectáculos ofrecidos, e incluso estar en la mira de la PMRC, aquella organización liderada por Tipper Gore (la esposa de Al Gore), quienes iban en busca de las cabezas de todos aquellos que glorificaran  la violencia, el consumo de sustancias, o cuyas canciones tuvieran algún tipo de contenido sexual. Sin embargo, eso les hizo ganar más adeptos. 

Giraron con varios monstruos de la escena del rock, abriendo para KISS, Iron Maiden, y varios más, participando en festivales de renombre como en el Monsters of Rock, y vendiendo más de 12 millones de discos.

Y finalmente un día llegaron por estos lares, dejando un show con más luces que sombras, recurriendo muchísimo a los backing tracks para Lawless, pero dejando a los fans bastante contentos con un show que se enfocó en los 40 años de su álbum debut. Los W.A.S.P. actuales no son los de antes, pero el fuego sigue ahí. Y cada vez que vuelvo a poner Wild Child, Sleeping (In the Fire), o I Wanna Be Somebody, me acuerdo por qué me enamoré del heavy metal: por ese exceso sin pedir disculpas, por ese equilibrio entre la rabia y la melancolía, y porque, en el fondo, todos queríamos ser alguien. Y ellos lo gritaban sin vergüenza.

PAÍS: U.S.A.

ESTILO: hard rock / heavy metal 

SIMILAR A: Mötley Crüe / Twisted sister 

AÑOS ACTIVOS: 1982 - presente

MIEMBROS ACTUALES: Blackie Lawless (voz, guitarra), Doug Blair (guitarra principal), Mike Duda (bajo), Aquiles Priester (batería)

TOP 5 TRACKS:

1) Wild Child

2) Blind in Texas

3) Sleeping in the Fire

4) The Headlesss Children

5) L.O.V.E. Machine

DISCOGRAFÍA (de estudio):

1984 - W.A.S.P.

1985 - The Last Command

1986 - Inside the Electric Circus

1989 - The Headless Children

1992 - The Crimson Idol

1995 - Still not Black Enough

1997 - Kill. Fuck. Die.

1999 - Helldorado

2001 - Unholy Terror

2002 - Dying for the World

2004 - The Neon God: Part 1 - The Rise

2004 - The Neon God: Part 2 - The Demise

2007 - Dominator

2009 - Babylon

2015 - Golgotha

2018 - Re-Idolized

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EL CULEBRÓN TIMBAL: REVOLUCIÓN SOCIAL, COMUNIDAD, Y ROCK

 

Si...un título que podría necesitar una explicación, pero es que El Culebrón Timbal está difícil de encasillar; van mucho más allá de la música. El Culebrón es un centro cultural comunitario, una escuela, una productora, un complejo artístico, tiene una radio, un periódico, y un centro de formación cultural. Y, sí, una banda de rock. 

Teniendo como objetivo primario el promover el ejercicio del derecho a la comunicación, el arte, y la cultura en sus más diversas formas a través de la participación comunitaria, y llegando, por ejemplo a organizar marchas de carrozas juveniles, colonias de vacaciones, y festivales artísticos, el Culebrón también canta, siendo ésta sólo una forma más de comunicar y ser parte de la comunidad del Gran Buenos Aires.

Coordinador y miembro fundador (además de músico, cantor, maestro, y dibujante) Eduardo Balán aclara que en realidad El Culebrón sí comenzó, allá por el '96, como una banda de rock, pero que al intentar hacer circular su música, y como varios integrantes tenían militancia barrial y social, de a poco fueron integrando otras organizaciones sociales barriales en su movida, ampliando el espectro cultural de El Culebrón, en lo que ellos denominaron, en su momento: "un guiso de rock, comic, y teatro". Armaron un carromato, recorrieron América (tocando, entre otros, para "los sintierra" y el subcomandante Marcos), fundaron su propio cuartel y centro cultural, y eventualmente el "plurimedio" del que hablábamos al principio.

Podríamos charlar horas sobre todo lo que hace El Culebrón, pero, como este es un blog de rock, vayamos al grano. No obstante, por acá te dejo un link por si te interesa seguir indagando en esta más que interesante (y necesaria) miríada de propuestas de esta organización. Musicalmente, El Culebrón mezcla murga (de la argentina) con rock, recitado, ska, y hasta folclore. Lanzando su disco homónimo en el '96, tienen su pico más alto con "Territorio", en el '99. Explotando en vivo (recuerdo ese año conocerlos en su cuartel de Floresta con un recital que resultó realmente impresionante), El Culebrón contagia, y su mística es envolvente. Cuando uno conoce todo lo que propone el plurimedio "timbal" - independientemente de sesgos políticos - no puede menos que revalorar y entender el contenido lírico de sus letras y música, desde un relato policial del conurbano bonaerense en su primer álbum, a las luchas de poder del segundo, o la búsqueda de identidad y transformación social en "Gualicho del Cascarudo". Abajo te dejo una muestra de cómo luce El Culebrón Timbal, una banda que probablemente desconozcas, y que más probablemente te guste.

PAÍS: ARGENTINA

ESTILO: rock / ska / folclore / murga

SIMILAR A: Los Fabulosos Cadillacs / Karamelo Santo

AÑOS ACTIVOS: 1996 - 2020 (con intermitencias)

TOP TRACKS:

1) Filo

2) Basavolver

3) Cachazú

4) Cascarú

5) De piel

DISCOGRAFÍA:

1996 - Culebrón Timbal

1999 - Territorio

2002 - Gualicho del Cascarudo

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TOM PETTY - ENTRE EL CIELO Y LA CARRETERA

 

Era un 2 de Octubre del 2017 y el gran Tom Petty fallecía a causa de una sobredosis al combinar opioides, sedantes, y antidepresivos. El mundo del rock estaba consternado de ver como este músico, cantante, compositor, productor, y hasta ocasional actor fallecía a los 66 años dejando atrás más que un legado de grandes canciones, si no además el espíritu de desafío contra la industria de la música, y un clamor a mantener la autenticidad en la música de cada compositor e intérprete. 

Considerado entre los 100 artistas más influyentes de todos los tiempos por la revista Rolling Stones, habiendo vendido la friolera de más de 80 millones de discos, y dejado detrás de sí decenas de éxitos, Tom Earl Petty no había tenido ninguna aspiración musical hasta la influencia de Elvis y The Beatles. Ya por el '77 la canción "Breakdown" sonaba bastante por las radios del hemisferio norte, si bien fue recién con su segundo álbum que logra su primer disco de oro, disco que contaría con temas como "Listen to her Heart" y "I Need to Know". Cuando su disquera (ABC Records) es vendida a MCA Records, Petty se niega a ser transferido sin su consentimiento, lo que eventualmente deriva en su bancarrota.

Petty volvería a la carga con su banda The Heartbreakers y lanzarían una serie de álbumes, teniendo alguno muy buena venta ("Damn the Torpedoes" vendió casi 2.5 millones de copias), si bien otros no gozaron de ese éxito. No fue hasta 1989 con "Full Moon Fever" (mi favorito personal) que Petty tendría la masividad que se venía granjeando. No sólo contó el disco con temas inmortales como "Free Fallin'", "I Won't Back Down", "Runnin' Down a Dream", o "Feel a Whole Lot Better", si no que por si fuera poco vendió más de 6 millones de copias. Antes y después de este disco, Petty formó parte de la mega banda Traveling Wilburys, junto a Bob Dylan, George Harrison, y Roy Orbison. Su cara y su voz estaban por todas partes, y sus videos eran también parte de ello. Al lanzar "Into the Great Wide Open" en el '91 los videos de "Learning to Fly" e "Into the Great Wide Open" (que contara con un joven Johnny Depp) contarían con alta rotación en VH1 y MTV (ya previamente giraba por las cadenas de videos el tema "Mary Jane's Last Dance" con Kim Basinger y el propio Petty como estrellas). 

El éxito de Petty no se limito a estos discos o a la década de los '80. "Wildflowers" (1994) vendería 3.5 millones de copias, y si bien los éxitos en singles no fueron tan contundentes como los de sus dos predecesores, temas como "You Don't Know How it Feels" y "You Wreck Me" llegaron a oídos de muchos y formaron parte de su posterior colección de grandes éxitos. 

Las historias narradas en las canciones de Petty son reflejos de la vida cotidiana, y también del alma. La búsqueda del ser, la autenticidad del yo, el eterno recorrer de la ruta - y la ruta misma como metáfora para la vida -, teniendo el cielo como límite y referencia, están muy presentes en sus composiciones. Petty, con esa mezcla de folk y rock tan características, conectó como pocos con el público y sus escuchas, abarcando a más de una generación y generando adeptos internacionalmente, a pesar de que es sin dudas el público norteamericano el que pudo sentirlo más propio y contemplado en sus composiciones. 

PAÍS: USA

ESTILO: rock / folk / southern rock 

SIMILAR A: George Harrison / Stevie Nicks / Roy Orbison / Jeff Lynne

AÑOS ACTIVO: 1967 - 2017

TOP 5 TRACKS:

1) I Wont' Back Down

2) Love Is a Long Road

3) Free Fallin'

4) Mary Jane's Last Dance

5) Into the Great Wide Open

DISCOGRAFÍA (incluye solitario y con the Hearbreakers*)

1976 - Tom Petty & the Heartbreakers*

1978 - You're Gonna Get it!*

1979 - Damn the Torpedoes*

1981 - Hard Promises*

1982 - Long After Dark*

1985 - Southern Accents*

1987 - Let Me Up (I've Had Enough)*

1989 - Full Moon Fever

1991 - Into the Great Wide Open*

1994 - Wildflowers

1999 - Echo*

2002 - The Last DJ*

2006 - Highway Companion

2010 - Mojo*

2014 - Hypnotic Eye*

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SARATOGA - A SANGRE Y FUEGO

 

Ya hace más de 30 años que están en la vuelta, si bien el único miembro fundador que se encuentra entre sus filas en la actualidad es el bajista Niko del Hierro. 

Combinando características propias del power metal como ritmo rápido, agresivo y melódico a la vez, con influencias de la música clásica, voces potentes y con muchos rangos, guitarras filosas, dobles bombos, y letras épicas, Saratoga le agrega además elementos citadinos, religiosos, históricos, y cantos a la libertad y al amor, lo que la convierta en una banda realmente abarcativa. 

Es en 1995 cuando Saratoga lanza al mercado su disco homónimo, con una formación completamente diferente a la actual, entre ellos con Fortu Sánches (ex- Obus) en voces, que empiezan a ser reconocidos. Sin embargo, sería con su tercer disco "Mi Ciudad" donde redefinirían su sonido, con clásicos de la banda que son pilares incluso en sus conciertos hoy día como "Perro Traidor", "Lejos de tí", "Rojo Fuego", o el propio "Mi Ciudad". 

Ya con Leo Jiménez - quizás el vocalista más icónico de la banda - sacarían los discos que pondrían a Saratoga como un referente del género, no solo en España sino también en Latinoamérica. Tanto "Agotarás" (con temas como "Tras las Rejas", "Las Puertas del Cielo", o "Resurrección"), como "Vientos de Guerra" (con "A Sangre y Fuego" y "Si te vas"), llegando a "El Clan de la Lucha" (incluyendo "Maldito Corazón", "Ángel de Barro", y "Si Amaneciera") le generarían a los madrileños una muy sólida base de fanáticos. 

Para el 2007 sacarían (mi favorito personal) "VII" ya contando con el actual vocalista, Tete Novoa. Este álbum contiene tantos temas buenos que me es difícil destacar un par: "El Vuelo del Halcón", "Dueño del Aire", "Gran Mago", "Bailando con el Diablo", "Huracán", y "La Maldición" son solo algunos a destacar. Y con Novoa ganándose un justo lugar entre los fans, llegarían más álbumes: "Secretos y Revelaciones" contaría con un clásico instantáneo en "No Sufriré Jamás por ti", o "Némesis" con grandes canciones como "Juicio Final" o "Ángel o Demonio".

Últimamente los hemos tenido por Sudamérica, tanto en Montevideo, Potosí, La Paz, Santiago, y Buenos Aires, haciendo gala de todo el rock que Del Hierro, Novoa y compañía son capaces de ofrecer. A escucharlos y a disfrutarlos como corresponde!

PAIS: España

ESTILO: power metal / heavy metal

SIMILARES A: Helloween / Stratovarius / Rata Blanca

AÑOS ACTIVOS: 1992 - actualidad

MIEMBROS ACTUALES: Niko del Hierro (bajo), Tete Novoa (voz), Arnau Martí (batería), Charlie Parra del Riego (guitarra)

TOP 5 TRACKS:

1) Maldito Corazón

2) No Sufriré Jamás por ti

3) Tras las Rejas

4) El Vuelo del Halcón

5) Dueño del Aire

DISCOGRAFÍA (de estudio):

1995 - Saratoga

1996 - Tributo

1997 - Mi Ciudad

1999 - Vientos de Guerra

2002 - Agotarás

2004 - El Clan de la Lucha

2005 - Tierra de Lobos

2007 - VII

2009 - Secretos y Revelaciones

2012 - Némesis

2016 - Morir en el bien, vivir en el mal

2018 - Aeternus

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TESLA - LA BANDA...NO EL AUTO

 

Al grito de "No machines!" - ya que se vanagloriaban de no utilizar maquinaria extra para sonar de la forma que siempre lo hicieron, simplemente un bajo, una batería, un par de guitarras afiladas, y una aún más afilada voz de Jeff Keith - Tesla tiene además que andar eludiendo ahora el ser asociados con la marca de autos y no con su música...ni siquiera con su musa inspiradora, el gran Nikola.

Originarios de Sacramento, la banda se forma en el '84 con el mencionado Keith en voces (casi que un hermano perdido de Steven Tyler), Frank Hannon y Tommy Skeoch en guitarras, Brian Wheat en bajo, y el gran Troy Luccketta en bata (Tommy sería luego de años sustituido por Dave Rude).

Con una música principalmente identificada con el hard rock, pero con notorias influencias del blues, y muchos medio-tiempos, Tesla hace su debut discográfico con el disco "Mechanical Resonance", y temas como "Cumin' Atcha Live" (mi favorito personal de ese disco), "Gettin' Better" (canción super positiva si las hay, con una estrofa que pinta de cuerpo y alma que si las cosas no salen ahora ya van a salir: "Soon the sun will shine through my window / When it's gonna come / You know I really couldn't say / oh...but I know, it's gettin' better every day"), y otros muy buenos tracks como "Love Me", y un favorito de la banda (no mío), "Modern Day Cowboy", los muchachos de California empezaban a atraer miradas de fans y críticos. 

Sería con su segundo álbum, "The Great Radio Controversy" que llegarían al público grande; canciones como "Heaven's Trail (No Way Out)" - con uno de los mejores riffs de la banda - , "The Way it Is", "Paradise" (hermosa balada), y en especial "Love Song" (rotada bastante en MTV), los pondrían en el Olimpo de las bandas que sonaban fuerte por fines de los ochenta.

Para el ´90 editarían algo no tan común aún como ser un álbum acústico, llamado "Five Men Acoustical Jam", no sólo incluyendo temas de sus dos álbumes anteriores si no además un "We Can Work it Out" de Beatles, un "Lodi" de Credence, y hasta un "Mother's Little Helper" de los Rolling. Y la clavaron al ángulo.

Más adelante vendrían dos de sus mejores discos (para este humilde servidor), como el "Psychotic Supper" (con el gran Nikola en la portada), uno de esos discos del que no te puedo destacar un tema porque todo está ineludible (bueno, si...puedo mencionar "Edison's Medicine" - tema que habla de cómo Edison engañó a Tesla - , "Call it What you Want", "Don't De-Rock Me", and "What You Give" - en mi top 5 de baladas de la historia). El otro gran disco que seguiría los pasos del mencionado "Psychotic..." sería el "Bust a Nut", con un montón de grandes canciones como "Solution", "Shine Away", "She want, she want", "Mama's Fool", y "A Lot to Lose" (sobre sobrellevar los tiempos más complejos de una pareja). Otro discazo! 

Más adelante, y con el furor del hard rock siendo historia, Tesla continuaría sacando muy buenos álbumes como el "Into the Now", con temas como el homónimo, o "Look @ Me", "Caught in a Dream", o el muy buen corte "Mighty Mouse".

Vivitos y coleando al momento de escribir estas líneas (de hecho tiene por allí un disco en vivo - cortito pero efectivo - del 2023 llamado "Full Throttle Live"), Tesla es una de esas bandas que tal vez, si nunca estuviste mucho dentro del palo heavy/hard rock no conozcas por nombre, pero te puedo asegurar que, incluso si no te copan las músicas estridentes, o por el contrario, si te va el sonido más duro, algo que te guste vas a encontrar dentro del catálogo de estos 5 tipos que, creo, nunca tuvieron el reconocimiento que se merecieron, ya que tienen excelentes temas, son musicalmente virtuosos, y ofrecen algo para varios paladares... será que nunca fueron conflictivos, son prolijos, y tuvieron un perfil relativamente bajo?? 

Hacete un favor y pegales una escuchada!

PAÍS: U.S.A.

ESTILO: Hard Rock / Blues Rock / Glam Metal

SIMILARES A: Aerosmith / Def Leppard

AÑOS ACTIVOS: 1984 - 1996 / 2000 - presente

MIEMBROS ACTUALES: Jeff Keith (voz), Frank Hannon y Dave Rude (guitarras), Brian Wheat (bajo), Troy Luccketta (batería)

TOP 5 TRACKS:

1) Edison's Medicine

2) What You Give

3) Heaven's Trail

4) A Lot to Lose

5) Call it What You Want

DISCOGRAFÍA (de estudio):

1986 - Mechanical Resonance

1989 - The Great Radio Controversy

1991 - Psychotic Supper

1994 - Bust a Nut

2004 - Into the Now

2007 - Real to Reel

2007 - Real to Reel vol.2

2008 - Forever More

2014 - Simplicity

2019 - Shock

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EMERALD SUN - POWER METAL DESDE EL OLIMPO

 

Formados en 1998, Emerald Sun es una banda de power metal originaria de Tesaloinka, Grecia. Su influencia de la mitología griega se refleja en sus letras, que a menudo están inspiradas en héroes, dioses, y leyendas de la antigua Grecia, ora de forma más evidente como en "Land of Light" (su mención a Leónidas y a Alejandro Magno lo marca de forma inequívoca) o en "Kingdom of Gods", ora de forma más sutil como en "Where Angels Fly" que bien podría hacer referencia al mito de Ícaro y Dédalo...o no. Esto añade profundidad y un aspecto narrativa original a su música, llevando a los oyentes a un viaje a través de historias épicas y mitos. No todo es leyenda, por supuesto, ya que los "Sun" cuentan con algún semi-tiempo pseudo-ecologista como en "Gaia" (una revancha que se toma la Madre Tierra por todo el daño que le venimos haciendo), o del otro lado, un muy interesante hard rock en "Hellbound", donde la temática vampiresca la vuelve digna de ser parte de la banda de sonido de un "Del Crepúsculo al Amanecer".

Musicalmente, Emerald Sun se destaca por su enfoque en el power metal, caracterizado por ritmos rápidos, melodías épicas, y coros poderosos. Su estilo enérgico y emotivo crea una experiencia auditiva emocionante y teatral, que complemente a la perfección las temáticas de sus canciones. Los riffs de guitarra potentes, la presencia de un bajo más que interesante que destaca en varios temas, y la voz de "Theo" Tsakirides - a veces inclinándose hacia lo que haría un Kai Hansen, otras más hacia Halford (como en "Speak of the Devil"), añaden una capa adicional de intensidad a su música.

Emerald Sun fue una de esas bandas que descubrí por "asociación" a otras, y cada día suena más en mi playlist de power metal en Spotify.

PAÍS: Grecia

ESTILO: power metal / hard rock

SIMILARES A: Crystallion / Gamma Ray / Kaledon

AÑOS ACTIVOS: 1998 al presente

MIEMBROS ACTUALES: Jim Tsakirides (teclado), Sheriff (bajo), Stelios Tsakirides (voz), Giorgos (batería), Pavlos Giorgiadis (guitarra)

TOP 5 TRACKS:

1) Speak of the Devil

2) Kill or Be Killed

3) Hellbound

4) We Won't Fall

5) Screamers in the Storm

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DISCOGRAFÍA:

2005 - The Story Begins

2007 - Escape from Twilight

2011 - Regeneration

2015 - Metal Dome

2018 - Under the Course of Silence

2021 - Kingdom of Gods

CRYSTALLION - CÓMO DESTRUIR UN BUEN PROYECTO EN 4 SIMPLES PASOS

 

20 años atrás se juntaban el bajista Martin Herzinger y el baterista Steve Hall con la idea de formar una banda de power metal cuyas letras reflejaran su amor por determinados hechos históricos. Es así que nace Crystallion: una banda al estilo Helloween o Sonata Arctica, con fuerte influencia de teclados, y la voz del talentosísimo Thomas Strübler. El arranque no podía ser más promisorio; el album "A Dark Enchanted Crystal Night" fue lanzado en el 2006, y tanto crítica como amantes del género lo recibieron con entusiasmo. Temas como "Guardians of the Sunrise", "Eternia" (oh, si...referencias a "He-Man"?), el poderoso "Crystal Clear", y uno de los buques insignia de la banda, "Burning Bridges", formarían parte de esta primera entrega que auguraba buenas cosechas.

El segundo album tardaría solo 2 años en ver la luz, dándole más lugar al teclado y menos a la guitarra, ya que uno de los "violeros" (Florian Ramsauer) dejaría la banda. Titulado "Hattin", esta obra conceptual nos relata los eventos acaecidos en la batalla homónima ocurrida en Palestina en el año 1187 entre el ejército cruzado (caballeros templarios y hospitalarios) contra las tropas del Rey Saladino. Canciones como "Under Siege" y "Wings of Thunder" destacan por sobre el resto, pero el cometido es cumplido con creces: batallas épicas, muertes con (o sin) honor, luchas religiosas, doble bombos, teclados medidos, y una ambientación que telleva al pasado.

Sólamente un año después aparecería "Hundred Days" - album con el que descubrí la banda, y un favorito personal conjuntamente con el primero - , donde se le baja un poco el tono al power metal más clásico para agregar elementos de hard rock (aunque el toque power metal nunca se pierde). Siendo otra obra conceptual, este disco se enfoca en el retorno del exilio en la isla de Elba del gran Napoleón Bonaparte, quien tratando de conquistar Europa es finalmente vencido en Waterloo por el Almirante Nelson, para ser desterrado una vez más, en esta ocasión a la isla de Santa Helena. Como su predecesor, "Hundred Days" debe ser escuchado en orden para poder seguir toda la historia de estos 100 días de Napoleón. Siendo dificil destacar temas, podríamos mencionar "Hougomount" (lucha que se dio lugar el 18 de Julio de 1815 y que fuera clave para la derrota francesa, donde Wellington mantuvo la posición y pudo repelera a casi 10000 franceses con solo 2600 soldados), "Sole Survivors" (que trata de la batalla de Ligny - 16 de Junio de 1815 - donde los franceses derrotaban a los prusianos), o la propia "Nations Falling" hablando del final de esta serie de enfrentamientos donde Napoleón finalmente pierde.

Hasta aquí todo épico y maravilloso, y la banda - especialmente si te gusta la historia - era algo muy serio a lo que prestarle atención. Entonces, a qué viene el título del artículo? Es que luego de 15 años, Strübler decide dar un paso al costado y no ser más parte de la banda. Y...como suele ocurrir, si se va el cantante, la banda corre grandes riesgos de perder su impronta y la personalidad. Qué decisiones tomaron Hall y Herzinger? Traer una chica al micrófono (Kristina Berchtold), cambiar el estilo musical de power metal a rock / soft rock, seguir sin tecladista, y dejar las temáticas históricas de lado para escribir más canciones clichés. En esos 4 pasos, básicamente dejaron de ser Crystallion. Los últimos dos discos...no sabría ni cómo definirlos. Una pena. Por lo menos para mi. Aunque, según recientes videos, no todo está perdido...

PAÍS: Alemania

ESTILO: power metal / hard rock / soft rock

SIMILARES: Sonata Artctica / Helloween / Rhapsody / Stratovarius

AÑOS ACTIVOS: 2003 al presente

MIEMBROS ACTUALES: Kristina Berchtold (voz), Sven Sevens (guitarra), Steve Hall (bajo),  Martin Herzinger (batería)

TOP 5 TRACKS

1) Crystal Clear

2) Burning Bridges

3) Sole Survivors in Ligny

4) A Cry in the Night

5) Hougoumont

DISCOGRAFÍA

2006 - A Dark Enchanted Crystal Night

2008 - Hattin

2009 - Hundred Days

2013 - Killers

2021 - Heads or Tails

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ANTHRAX - EL TERCER GRANDE?

Cuando se habla de "Los 4 Grandes del Thrash" se deja fuera a varias bandas de renombre dentro del género, como Testament, Exodus, Kreator, Sodom, o Sepultura; es también indudable que el #1 lo ostenta Metallica (por masividad), y el #2 es fija para Megadeth. Dicho esto, quién debería completar el podio y quién contentarse con el 4to lugar: los muchachos liderados por Scott Ian o los chicos de Slayer? En lo personal, no tengo ninguna duda que los newyorkinos se llevan la de bronce, pero quienes piensen que los de Kerry King se lo merecen más, fundamentos no les faltarán.

Formada en el '81, Anthrax es una banda que ha logrado vender más de 10 millones de discos en todo el mundo a lo largo de su vasta carrera, aunque, para ser honestos, en estos 42 años han sacado alrededor de 10 discos (1 album cada 4 años se antoja al menos "pocote"). Lanzando su primer disco en el '84 ("Fistful of Metal", el cual contaba con una versión del clásico de Alice Cooper "I'm Eighteen"), al año siguiente ya la banda sufriría cambios importantes, entre ellos la partida de Neil Turbin (voz) y Dan Lilker (bajo), quienes serían remplazado por Joey Belladona y Frank Bello, respectivamente, y con quienes ya editara en el '85 "Spreading the Disease", el que contara con su primer éxito considerable, "Madhouse". Es un par de años más tarde, con "Among the Living" (album dedicado a la memoria de Cliff Burton, bajista de Metallica trágicamente fallecido 6 meses antes), que la banda conseguiría el éxito masivo, la aclamación de la crítica, y un buen número de ventas (unas 560.000 aprox.). Canciones tales como "I am the Law" (tema que habla del personaje de comic Juez Dredd), "Among the Living" (tributo a la novela de Stephen King "The Stand"), "Caught in a Mosh" (donde la banda relaciona el quedarse atrapado en el medio de un "pogo" - "mosh pit" - con el lidiar con personas imposibles; la línea "Talking to you, is like clapping with one hand" es definitivamente una de mis favoritas de Anthrax), y el éxito "Indians"  (donde se eleva la voz por los nativos americanos tirados en reservas y tratados como ciudadanos de segunda), se volvieron temas ineludibles en cualquier concierto de la banda. Es también en ese año que la banda editaría un EP que además de incluir "I am the Law", "Caught in a Mosh" (en vivo) y un cover de "Sabbath Bloody Sabbath", traería como tema icónico "I am the Man", una fusión de hip-hop y metal muy poco común para aquellos tiempos. Este EP vendería más que cualquier larga duración, llegando a más de 1 millon de copias a nivel mundial.

Con su próximo disco ("State of Euphoria"), los éxitos en venta (610.000 copias) y crítica continuaron.  Si bien en ese álbum hay grandes temas como "Be All, End All", "Misery Loves Company", y "Finale" (con otra línea imposible de olvidar como "I drink three six packs just so I can look at your face. Finally"), el single que destacaría por encima del resto sería "Antisocial" (tema sobre aquellas personas que anteponen el hacer dinero a todo lo demás). Los éxitos en venta y la buena prensa seguirían son sus dos siguiente discos, "Persistence of Time" y "The Sound of the White Noise" (vendiendo más de un millón de copias entre los dos). Temas como "Time", "Got the Time" (un favorito personal por cómo describe a alguien dependiente del tiempo, como este servidor), e "In My World" destacarían del primero, y "Potter's Field" y "Only" del segundo. Joey Belladona es despedido luego de la edición de "Persistence..." para ser reemplazado por John Bush (de Armored Saints) con quien se grabaría "Sound..." Luego llegarían los fracasos comerciales con "Stomp 442" y "Volume 8: the Threat is Real", por lo menos en cuanto a ventas, mas no así en directo, donde la banda siempre se sintió a gusto y respaldada.

A principios de los 2000, cuando hubo unos ataques en USA con sobres con anthrax, la banda incluso pensó en cambiar su nombre, pero luego descartaron esa idea. Para el 2005 se daría una reunión de los miembros más consistentes de la banda (Ian, Charlie Benante, Belladonna, Bello, y Dan Spitz), aunque la formación duraría poco. Para el 2009 volvería John Bush en voces, sólo momentáneamente, y que en el 2010 Belladonna sería llamado una vez más, y con él finalmente lanzarían "Worship Music", donde recuperarían (en parte) la buena crítica y ventas de sus mejores épocas. Forman el disco canciones como "The Devil You Know" (sobre los veteranos de la Segunda Guerra Mundial), un tributo a Ronnie James Dio y Dimebag Darrell (Pantera) en "In the End", y otro a Judas Priest en el tema homónimo (aunque este tema no suele ser tocado en vivo).

Anthrax sigue muy activo y vigente hasta el día de hoy, siendo responsables de la redefinición del thrash metal como se conocía en lo '80 (con influencias del punk y del rap, más velocidad, y más humor en sus letras), teniendo un impacto directo en bandas que aparecerían más tarde, como Slipknot, Killswitch Engage, Korn, Lamb of God, Papa Roach, o Limp Bizkit.

PAÍS:U.S.A.

ESTILO: thrash metal / heavy metal / rap metal

SIMILARES A: Exodus / Testament / Overkill / Slayer / Megadeth

MIEMBROS ACTUALES: Scott Ian (guitarra), Charlie Benante (batería), Frank Bello (bajo), Joey Belladonna (voz), Jonathan Donais (guitarra)

TOP 5 TRACKS:

1) Caught in a Mosh

2) I Am the Man

3) Got the Time

4) I Am the Law

5) Indians

DISCOGRAFÍA:

1984 - Fistful of Metal

1985 - Spreading the Disease

1987 - Among the Living

1988 - State of Euphoria

1990 - Persistence of Time

1993 - Sound of White Noise

1995 - Stomp 442

1998 - Volume 8: The Threat Is Real

2003 - We've Come for You All

2011 - Worship Music

2016 - For All Kings

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ALESTORM: PIRATAS, RON, Y DONCELLAS

 

Cuando le digo a la gente que soy gran fan del rock pirata, todos aquellos que no conocen a Alestorm me miran como a un loco: "Rock pirata!? Vos estás mal!". Mientras no discuto esto último, los oriundos de Escocia (aunque en realidad no todos) son de las bandas más divertidas que podés ver en vivo. Cuando vinieron a Montevideo por primera vez en el 2017, llevé a un amigo que no los conocía y quedó gratamente sorprendido. Éramos pocos aquella noche en el MMBox, al punto tal que tanto Christopher Bowes como Máté Bodor (cantante y guitarrista, respectivamente) salieron a sacarse fotos con la gente que quedaba en las afueras de la sala. Este año volvieron, y fui con mi amigo de nuevo. Creo que lo disfrutó más que yo (aunque difícil que sea cierto).

Debutando en el 2004 con el nombre de Battleheart, definieron su estilo como "True Scottish Metal Pirate". Luego de un par de sencillos, 4 años más tarde pasan a llamarse "Alestorm" firmando con el sello para bandas heavy por antonomasia, Napalm Records. Al año siguiente lanzan "Captain Morgan's Revenge", disco que marcaría el destino de la banda, y que como tema de cierre incluye un himno escocés como "Flower of Scotland". "Over the Seas", "The Huntmaster", "Nancy the Tavern Wench", y "Terror on the High Seas" son otros de los temas destacados de ese primer album.

Su segunda producción - "Black Sails at Midnight" - estuvo a la altura de las expectativas, manteniendo "la seriedad" de los temas, que iban por el lado de historias de piratas, costumbres, y mitos. Por allí destacan "The Quest", "Leviathan", "Keelhauled", el tema homónimo "Black Sails...", y otro tema estilo "himno", "Wolves at the Sea". 

Ya para el tercer disco - "Back Through Time" - empiezan los delirios en la temática, ya que tendremos por ejemplo, en el tema que da nombre al disco, un viaje al pasado que enfrentará piratas y vikingos. Por acá destacan "Shipwrecked", "The Sunk'n Norwegian", "Rum" y el cover de Stan Rogers "Barrett's Privateers", canción que narra la vida de un joven pescador en 1778 que se enlista en el barco "Antelope" bajo la promesa de un viaje sin violencia y termina con el protagonista lisiado narrando las desventuras de dicho viaje. Hay un tema aquí autorreferente a la incapacidad de encontrar temáticas para futuras canciones - "Scraping the Barrel" - ya que parecen haberse agotado todas las historias de piratas. Si bien, en parte pronosticaron su propio futuro (de cierta forma) , el tema de piratas, bucaneros, y buques perdidos no estuvo ausente en discos venideros ("Walk the Plank", "1741 (The Battle of Cartagena"), "Quest for Ships" del "Sunset on the Golden Age"; "No Grave but the Sea", y "To the End of the World" del "No Grave..."; "Henry Martin" del "Curse of the Crystal Coconut", o "Magellan's Expedition"y "The Battle of Cape Fear River" del "Seventh Rum of a Seventh Rum" son algunos ejemplos). Es cierto que en las últimas producciones predominan las canciones de fiesta como "P.A.R.T.Y.", "Come to Brazil", "Mexico" (tal vez el primero de un estilo "fiestero" de los Alestorm, y hermoso para agitar en vivo), "Treasure Chest Party Quest", "Zombies Ate My Pirate Ship", y "Pirate Metal Drinking Crew" son algunos ejemplos del nuevo camino de la banda, que parece ser del agrado de muchos, y que definitivamente rinde en vivo. En lo personal, para escuchar en casa me quedo con los 3 o 4 primeros discos, pero admito que en vivo este otro aspecto se hace necesario. 

Difícil como pocas veces elegir un top 5, pero bueh, abajo lo tenés.

PAÍS: Escocia

ESTILO: folk metal / power metal / pirate metal / freak metal

SIMILARES A: Running Wild / Swashbuckle

AÑOS ACTIVOS: 2004 al presente

MIEMBROS ACTUALES: Christopher Bowes (voz y keytar), Gareth Murdock (bajo), Peter Alcorn (batería), Elliot Vernon (teclados, voz), Máté Bodor (guitarra)

TOP 5 TRACKS:

1) No Grave But the Sea

2) Drink

3) Captain Morgan's Revenge

4) Keelhauled

5) The Sunk'n Norwegian

DISCOGRAFÍA DE ESTUDIO:

2008 - Captain Morgan's Revenge

2009 - Black Sails at Midnight

2011 - Back Through Time

2014 - Sunset on the Golden Age

2017 - No Grave But the Sea

2020 - Curse of the Crystal Coconut

2022 - Seventh Rum of a Seventh Rum

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AMON AMARTH - HIJOS DE ODÍN

 

Aunque su nombre no esté conectado a la mitología escandinava - "Amon Amarth" significa "Monte del Destino" en Sindarin, lengua élfica encontrada en "El Señor de los Anillos" - sus canciones se basan casi exclusivamente en las sagas nórdicas y en el estilo de vida vikingo. Su líder, Johan Hegg es no sólo un gran fan del heavy metal, si no también alguien versado en la tradición vikinga, además de contar con un espíritu bastante solidario (de hecho tiene viviendo en su casa a dos mujeres y dos niños refugiados de Ucrania). Hegg es quien escribe la mayoría de las letras (aunque también Ted Lundstrom mete la cuchara), dejando la creación musical a los guitarristas. Sus temas van desde el concepto de la vida vikinga, los viajes a nuevas tierras, o la mitología escandinava, con muchas referencias a Thor, Loki, Odin, Surtur, Hela, y el resto de los dioses vikingos. 

Con un estilo que se podría catalogar de melodic death metal vikingo - aunque Hegg se niege a esta última etiqueta -, lo que hacen los muchachos de Amon Amarth no es para todos los públicos. El growling refinado de Hegg, la melodía de las guitarras alternándose con unos riffs bien pesados, y la misma temática de las canciones, convierten a Amon Amarth en una banda única en su género, pero insisto, para una audiencia determinada

Llamados originalmente "Scum", en el '92 cambian su nombre al actual, lanzando un par de sencillos, siendo uno de ellos "Thor Arise", que ya nos daba la idea de qué podría ir la cuestión. Habría que esperar hasta 1998 para que su primer larga duración viera la luz ("Once Sent from the Golden Hall") con una venta original limitada a 1000 copias. En aquel álbum Amon contaba con el guitarrista uruguayo Martín López, quien también formara  parte de la banda Opeth.

Con el paso de los años, los suecos han sacado ya 12 álbumes, siendo el más reciente "The Great Heathen Army" (2022). Entre sus producciones, los álbumes más populares son "Twilight of the Thunder God" y "Deceiver of the Gods", aunque seguramente el "die hard fan" te dirá que no son los mejores, y que probablemente este sea "Versus the World" o "With Oden on Our Side".

Sin dudas, son una banda única que vale la pena explorar, y por sobre todo, leerse las letras, que contienen mucha historia y son más que interesantes. Difícil elegir sólo 5 canciones, ya que me quedan afuera "Shield Wall", "Raven's Flight", "As Loke Falls", "Shape Shifter", "Destroyer of the Universe", "The Way of the Vikings", y varias más..pero si hay que escuchar solo 5, abajo tenés una buena selección. 

PAÍS: Suecia

ESTILO: melodic death metal

SIMILARES A: Finntroll / Children of Bodom / Opeth

AÑOS ACTIVOS: 1992 al presente

MIEMBROS ACTUALES: Jonah Hegg (voz), Johan Söderberg (guitarra), Olavi Mikkonen (guitarra), Ted Lundström (bajo), Jocke Wallgreen (batería)

TOP 5 TRACKS:

1) Twilight of the Thunder God

2) Deceiver of the Gods

3) Guardians of Asgard

4) The Pursuit of Vikings

5) Father of the Wolf

DISCOGRAFÍA:

1998 - Once Sent from the Golden Hall

1999 - The Avenger

2001 - The Crusher

2002 - Versus the World

2004 - Fate of the Norns

2006 - With Oden on Our Side

2008 - Twlight of the Thunder God

2011 - Surtur Rising

2013 - Deceiver of the Gods

2016 - Jomsviking

2019 - Berserker

2022 - The Great Heathen Army

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